A propósito de Punto de Vista

¡Nos mudamos!

2010-10-19T14:08:00.003+01:00

Decimos adiós a la vieja dirección de blogger, y estrenamos blog en nuestra nueva página web: http://www.puntodevistafestival.com/blog. Allí encontraréis todo el archivo del blog, con sus críticas, sus comentarios, sus vídeos, y todo lo que vaya ocurriendo de ahora en adelante. Recordad: http://www.puntodevistafestival.com/blog

Countdown

2010-09-21T17:21:00.001+01:00

Countdownr

Últimos días para inscribir películas

2010-09-07T16:20:00.003+01:00

Así terminaba la sexta edición de Punto de Vista, con las imágenes que Jem Cohen rodó en Pamplona con Luce, la hija de Jean Vigo.

Ahora buscamos las imágenes con las que arrancar la séptima edición. Las tuyas. El día 30 de este mes se termina el plazo para inscribir películas para la sección oficial. Todo la información en la página web del festival.

Jem Cohen inaugurando

2010-02-13T23:52:00.001+01:00

Ahora que termina el festival, podemos empezar a disfrutar con los vídeos que recogen algunos de los protagonistas de esta edición. Empezando por el principio, Jem Cohen en la inauguración.

Palmarés y proyecciones

2010-02-13T14:30:00.002+01:00

Proyecciones del palmarés, hoy en los Cines Saide Carlos III:
- 17:30 h: The darkness of day, de Jay Rosenblatt (mención especial), y Los materiales, del colectivo Los hijos (premio Jean Vigo a la mejor dirección)
- 20:00 h: Amanar Tamasehq, de Lluís Escartín (mejor cortometraje(, y Sweetgrass, de Lucien Castaing-Taylor ...e Ilisa Barbash (premio del público)
- 22:30 h: Leat Each One Go Where He May, de Ben Rusell (gran premio punto de vista)

Caralibro, caras libres

2010-02-12T19:02:00.002+01:00

Por si no os habéis enterado, Punto de Vista tiene un perfil en Facebook, y durante estos días del festival, ha estado más vivo que nunca. Si os hacéis seguidores, pinchando aquí, podréis encontrar fotos como estas, de la mano de nuestro genial, y ubicuo, fotógrafo oficial.

Documentos de las noches PdV

2010-02-12T18:49:00.004+01:00

Como cada año, y para no desfallecer ni de día ni de noche, el staff de PdV procura actividades noctambulas a todos aquellos que quieran adentrarse en la aventura de la madrugada pamplonesa. Esta foto y las siguientes, cortesía de Joan Pons, son momentos robados de la noche con las que nos deleitaron a los platos (de pinchar, no de cocinar) Alex G. Calvo, Joan Pons y Xavi Cervantes. La sorpresa de la noche es que el mismo Jem Cohen se animó con los platos y nos deleitó con algunos temas de electro-cumbia de su propio I-Pod (más pistas en el blog:

http://lacomunidad.elpais.com/alta-definicion/2010/2/11/la-cumbia-jem-cohen

Dj's Forever

2010-02-12T18:46:00.002+01:00

Rodando con Jem Cohen

2010-02-12T18:45:00.002+01:00

El compañero Jordi Minguell nos regala en su blog de Elpais.com una estupenda crónica de su paso por Punto de Vista. Como a estas alturas estaréis cansados después de diez días de festival, os la pegamos aquí, para ahorraros el viaje hasta su blog. Eso sí, quienes quieran ver el increíble vídeo del señor Jem Cohen pinchando en un bar pamplonés, tendrán que viajar a su blog. El enlace, al final del todo.

La cumbia de Jem Cohen

Este sábado finaliza el Festival de Documentales Punto de Vista de Navarra. Un festival que poco a poco se está afianzando en el circuito de festivales gracias, justamente, a transgredir el género que lo define. Mirando hacia las fronteras del documental, el festival ofrece suculentas propuestas con las que reflexionar sobre la realidad y sobre las fronteras por las que transitar su reflejo.

Ahí están la interesante superproducción sobre los cocineros y las guerras de ‘Cooking History’ de Peter Kerekes, o el bellísimo análisis de la relación en ‘cultura’ y ‘naturaleza’ de ‘Sweetgrass’ a cargo de los profesores en Harvard Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash o la maravillosa rareza de ‘Peau de Cochon’ en el que el inclasificable autor francés Phillipe Katherine deconstruye su propia imagen.

Y de reflejos, y de imágen, sabe mucho el realizador homenajeado este año. Jem Cohen fue a Pamplona a una retrospectiva de su obra y nos dio la oportunidad de acercarnos a una obra tan inclasificable como apasionante. ¿Documentalista? ¿Videografo? ¿Fotógrafo? (Muy recomendable el libro ‘Signal Fires’ que ha publicado el festival analizando su figura.) Entre las joyas que se pudieron ver, destaca su impresionante incursión en los no-espacios de la América corporativista en‘Chain’ (2004), su seminal retrato del grupo Fugazi en ‘Instrument’ (1999), o el desconcertante, duro y apasionante retrato del compositor/artista/intérprete ‘Benjamin Smoke’ (2000) (foto).

Un lujo que acompañado a la proyección de rarezas de este director nos acercó a otras fascinantes y difíciles, ¿quién dijo que lo difícil es malo?, formas de grabar la realidad. Un Jean Vigo hard core que con la vista puesta en Cartier Bresson y con el obturador bien abierto logra el milagro que solo los grandes consiguen: que veamos la realidad con otros ojos.

Y es que después de la proyección de ‘Chain’, Pamplona parecía otra ciudad. Tal y como dijo Jem en su presentación, tienen suerte que en su centro histórico todavía persista el carácter de una ciudad virgen de espacios corporativos, de la agresividad cultural de las franquicias, del Starbucks, de los parkings, de la realidad más de hormigón funcional. Amén de Kukuxumusu, claro.

Un poco afectado por la película, me acerqué a una de las fiestas que la organización daba para agasajar los compañeros periodistas y los invitados. Para mi sorpresa, me encontré con el propio Cohen pinchando música. Relajado, con su IPod en mano, el hombre que puso imágenes a la música deGodspeed! You Black Emperor o de Elliott Smith o de Vic Chesnutt, el hombre que me había hecho creer que rodar también puede ser pescar, estaba pinchando cumbia. Y tan feliz.

Me muero por saber lo que ha grabado en la ciudad. Y gracias a los compañeros navarros por acercarme a los límites de la realidad via el cine.

Pinchen aquí para el vídeo.

PdV by Night

2010-02-12T18:43:00.003+01:00

RIP in pieces America

2010-02-10T10:07:00.004+01:00

Se trata de un documental confeccionado a modo de patchwork, con telas seleccionadas a partir de la prohibición de las mismas. D. Gagnon guardaba grabaciones que se encontraban en Internet a la par que las empresas de alojamiento de vídeos los iban censurando por su contenido. A decir verdad, la colección no es muy extensa pero todos tienen un tema en común, al que apela el título de la obra.

No hay un orden lógico en la unión de los distintos fragmentos, lo que puede crear al principio cierta confusión. Sin embargo, poco a poco el espectador va ordenando en su cabeza las piezas del puzzle, con el consiguiente peligro de entrar en el juego de esta paranoia colectiva. Y utilizo esta palabra, un tanto brusca, porque es curioso observar la forma en que actúan esos individuos, unidos por el sentimiento latente de que algo va mal. No obstante, utilizan las mismas armas que usa el Gobierno para contraatacar, lo cual no deja de resultar paradójico.

Es cuasi universal la impresión de que estamos ante un sistema corrupto. Las personas que aparecen en el vídeo lo repiten constantemente apelando en todo momento al espectador. Y a pesar de que en algunos momentos aconsejan medidas preventivas (¡arroz, armas, arroz, armas!), se insertan casi siempre en medio de un discurso agresivo. Pero hay que reconocer que los alegatos se lanzan de las más diversas formas, lo cual lo hace dinámico y divertido: con máscaras de héroes, gafas de sol, sombreros vaqueros y otros tantos complementos esperpénticos y que protegen la intimidad.

¿Y qué piensa el autor de todo esto? Se podría entender que refuerza su opinión con las canciones intercaladas entre los vídeos, con cierta ironía, más allá de la selección de los vídeos.

Un documental curioso, de dudosa calidad estética, perfecto para replantearse en momento histórico en el que vivimos. Preguntarse acerca del nuevo orden mundial, de la fuerza de los medios y del poder de Internet para transmitir ideas. Y tener la esperanza de que, lo que no consiga la red, todavía lo pueden conseguir festivales como este.

María Iserte Alfaro

Entrevista a Paulino Viota, director de "Contactos"

2010-02-09T14:11:00.002+01:00

-¿Cómo surgió la idea de filmar Contactos y qué quería usted decir con esta película?

Yo desde muy joven quería ser director de cine. Hice varios cortos en súper 8 y uno en 16 mm, y luego intenté escribir un guión para hacer un largometraje, con dos amigos, Santos Zunzunegui y Javier Vega. Pero era una película que se planteaba como una película amateur, independiente, underground, al margen de la industria. Para poder hacer películas en España en la época de Franco había que reunir unos requisitos, la normativa era muy estricta. Había que estar titulado como director de cine y tener una productora. Un tema que nos interesaba era el de los militantes clandestinos. Queríamos contar la realidad de la militancia antifranquista al margen de la ley, algo que el cine industrial no podía tratar por temas de censura.

- En cierta ocasión comentó que lo que usted pretendía era "plantear al espectador provocadoramente la imagen directa de las dimensiones de la vida real, algo a lo que el cine suele renunciar para resultar más atractivo e interesante". ¿Es Contactos una película planteada contra el espectador? ¿Está renunciando el cine actual a su capacidad provocadora?

Sí, esa es la definición más clara de Contactos. Es una película que está planteada contra el placer del espectador. Las pelis están hechas para que el espectador disfrute. Luego a través de ese disfrute se le puede transmitir un contenido moral o político o del tipo que sea, pero siempre a través del disfrute. La idea era que la militancia clandestina era algo muy duro, antipático, que hacía la vida de los que la llevaban bastante incómoda. Al darle el tiempo real de las cosas, intentar no embellecer, no buscar que el montaje aligere, se colocaba al espectador en una posición parecida a la que tenían los personajes a la hora de vivir sus vidas. Hay que tener en cuenta que éramos muy jóvenes, yo tenía 22 años, así que es una película muy radical. Esa idea se hacía entonces en la crítica de cine de izquierdas, la idea de que la necesidad de complacer al público imposibilitaba al cine para hablar de cosas antipáticas. Yo ahora no lo veo exactamente así. Creo que a través de la emoción se produce una especie de catarsis y se puede hablar de cosas terribles sin necesidad de hacer películas contra el público. Pero en aquel momento lo creíamos así. Una influencia muy poderosas de Contactos es también Bertolt Brecht, y él decía que había que hacer un arte que no fuera emocionante, sino un arte que llevara al espectador a reflexionar. Pero, de todas formas, la compresión que teníamos de Brecht no era muy exacta, porque en él el placer del público es fundamental. Nos parecía interesante hacer algo que expusiera al espectador a lo que el cine nunca muestra, situaciones muy largas, sin ninguna progresión, sin montaje que las abrevie... Era una manera brutal y salvaje de mostrar que las pelis normalmente no dan la realidad en bruto, sino que ofrecen una visión muy estilizada y peinada por todos los elementos de la puesta en escena.

En cuanto a la capacidad provocadora del cine, yo creo que no se está renunciando. Lo que ha sucedido con el cine actual es que está muy diversificado. En el cine mudo y con la gran época del cine clásico, hacer películas era una actividad muy industrial y muy costosa. Así que no podía ser provocador porque era cine hecho con pretensiones económicas. Podía ser genial, podía ser sublime, como el de Chaplin o Hitchcock, pro no provocador. La idea de un cine provocador aparece en los años 60, cuando empiezan los cines marginales o el anticine. Hoy por hoy sigue estando Hollywood, pero también el cine oriental, el video arte... El panorama es tan inabarcable que nadie puede dar cuenta de todo lo que se hace. Yo me imagino que hay mucho cine con capacidad provocadora pero quizá no en la gran industria. Habría que buscar los “Contactos” del cine de hoy, que seguro que los hay.

- Según sus propias palabras, ha odiado todas las películas que ha hecho menos Contactos.

He odiado Con Uñas y Dientes y Cuerpo a Cuerpo, es así, las he odiado, pero por conflictos con el coproductor en la primera y por problemas con los actores en la segunda. Las he odiado no por el resultado sino porque fue horroroso hacerlas. En el caso de Uñas y Dientes yo dije que no la acababa en mitad del rodaje, y me tuvieron que convencer para treminarla. Hasta ese extremo el rodaje se convirtió en un infierno. En el caso de Cuerpo a Cuerpo los actores decidieron hacer una huelga y no acabarla, aunque al final se lo pensaron mejor y siguieron. Contactos se rodó en 16 mm en dos semanas y se hizo con 75.000 pesetas que me dio me madre. Así que era una cosa tan mínima y miserable que la hice de un tirón y por eso no la odié.

- ¿Por qué dejó de hacer cine? ¿Abandonó usted a cine o el cine le abandonó a usted?

El cine me abandonó a mí. Yo dejé de hacer cine porque no encontraba dinero. Cuerpo a Cuerpo, no fue mal porque fue una peli muy barata y se amortizó más o menos, pero ya era imposible seguir por ese camino. Entonces escribí un guión ambientado en la Guerra Civil, una película que hubiera sido muy cara. Pilar Miró, que había llegado al Ministerio de Cultura, estaba intentando hacer películas más ambiciosas, más caras, con el objetivo de que el cine español tuviera más éxito. Pero tardé mucho en escribir ese guión y cuando lo terminé ya no estaba Pilar Miró en el ministerio y la política apoyaba ahora las pequeñas películas otra vez. Así que me di cuenta de que era imposible hacer cine confiando en adecuarse a la política ministerial de turno. Se me hizo imposible. Fue el cine el que me abandonó a mí.

-El director y crítico de cine Augusto M. Torres le ha incluido en su lista de directores españoles malditos (entendiendo por director maldito aquel que “hace buenas películas, pero que tiene problemas para encontrar productores o alcanzar el éxito del público”). ¿Está de acuerdo con esta calificación?

¡Yo quisiera ser absolutamente maldito si esta es la definición porque incluye hacer buenas películas! En la segunda parte entro del todo (directores que tienen problemas para encontrar productores o alcanzar el éxito de público), y en la primera, ojalá sea así. Contactos no buscaba el éxito de público pero Con Uñas y Dientes sí. No tuve ese éxito con el público, me convertí en un escéptico y luego ya desistí. No sé qué relación tengo yo con el público, pero es evidente que no nos entendemos muy bien. En cualquier caso, es muy difícil para el cine español tener éxito de público porque la distribución está en manos norteamericanas.

- Háblenos un poco de las dos películas que ha elegido para la sección “Heterodocsias. Rewind” del festival, y que ayudan a contextualizar su película. ¿Cuál fue su criterio de selección?

Jeanne Dielman es una película increíblemente cercana a Contactos porque está rodada de la misma manera. Es imposible que esté influida por Contactos porque es prácticamente seguro que Akerman no la ha visto. Pero se parece mucho. Presenta la imagen directa de las dimensiones de la vida real y también muestra las tareas domésticas de la protagonista y las muestra extensamente. Si tiene que fregar los platos hay una escena de 10 o 15 minutos fregando los platos. Es muy dura de ver. Además esta mujer se prostituye y en un momento dado mata a un hombre, pero esto casi no lo vemos. Hay como una especie de inversión de lo que hace el cine normalmente y eso es muy interesante. En Contactos la actividad clandestina de los protagonistas está dada como de refilón, aunque es cierto que en aquella época no podía hacerse de otra manera, porque nos hubieran metido a todos en la cárcel. En el caso de Dielman es una actitud estética para romper con la relación estándar de lo que hay que mostrar en una película, descubrir que lo que le ha llevado al crimen a esa mujer ha sido el tener una vida cotidiana tan terrible.

Invasión, de Hugo Santiago, es una película muy bella que escribió José Luis Borges, su único guión de cine. Y también trata sobre una especie de lucha clandestina. Es una peli muy abstracta, todo lo contrario que Contactos. Un grupo de hombres luchan clandestinamente contra una especie de invasión de seres extraños. Así que la idea de la lucha clandestina está en ambas aunque es exactamente al revés, en Invasión los militantes son superhéroes, es una historia muy heroíca. En Contactos son unos pobres desgraciados. La relación con Invasión es más bien antagónica, es el “anti-Contactos”, pero parte de un núcleo básico común, la lucha en secreto.

- Usted se dedica a hablar y pensar sobre cine. ¿Qué piensa y qué tiene que decir sobre el cine que se hace hoy por hoy en España? ¿Y en Europa?

Yo no soy un gran experto en cine español y, además, mi relación con el cine español es mala. El cine que me abandonó a mí fue el cine español. Habiendo sido una persona expulsada no me gusta mucho estudiar el cine español porque tengo miedo de que el rencor influya en mi objetividad. Yo soy un partidario acérrimo de la objetividad. Me gusta acercar el estudio del cine a lo científico, a lo objetivo. Así que conozco mal el cine español. ¿Y el cine europeo? No está en un momento buenísimo. El cine más interesante que se hace ahora es en Asia, cierto cine de Taiwan, Corea...Incluso en Francia, que siempre tuvo una gran tradición cinematográfica, el cine que se hace ahora no tiene nada que ver con el cine que hacían hace 40 años. Y en Italia ha habido una especie de catástrofe. El cine italiano ha sido fundamental, pero en los años 70 el asesinato de Passolini y las muertes de Rosselini y Visconti significaron una especie de fin de cine italiano. Quedó Fellini pero era ya sólo él, una especie de monumento individual. El cine italiano no es ni una sombra lejana de lo que fue. Europa no está en su mejor momento casi en ningún terrero. Ahora es la hora de Asia. Allí se está haciendo un cine más vivo e inteligente.

- Su primera película (Las Ferias, 1966) fue un documental. Sin embargo, según tengo entendido, nunca le atrajo este género en particular, ¿por qué?

Las Ferias la hice yo solo. Mi padre me compró un súper 8, el primero que llegó a Santander, y era formidable. Entonces hice la película yo solo. Pero a mí me gustaba el cine que veía en las salas, y por eso siempre ha sido el cine de ficción el que me ha llamado la atención. Mi flechazo fue viendo Misión de Audaces, de John Ford. Yo no había cumplido los 12 años, me quedé fascinado y pensé que tenía que dedicarme a esto. Así que mi pasión por el cine ha sido muy temprana y una pasión de espectador. El documental es un género formidable y más accesible, pero la verdad es que nunca me ha atraído.

Texto de Lynne Sachs para Punto de Vista

2010-02-09T14:05:00.001+01:00

“EL ENSAYO CINEMATOGRÁFICO ES AUTORREFLEXIVO, IDIOSINCRÁSICO E IMPREDECIBLE”

“La comunidad de cine alternativo de Nueva York tiene ya más de medio siglo, pero soy testigo de que está viva y en forma. De hecho, me atrevería a decir que somos un próspero grupo de cineastas que vivimos y trabajamos en un entorno urbano que probablemente nunca más nos apoyará pero que nos inspira día tras día. Estamos viviendo una de las crisis financieras más duras que se recuerdan, así que no hay dinero para proyectos artísticos, en especial para aquellos proyectos experimentales que plantean retos a la forma. Aun así, nuestro mandato estético pervive y seguimos haciendo películas (en vídeo, claro) que alimentan nuestros deseos creativos y nos permiten involucrarnos con un público cada vez más atrevido. La revolución digital nos permite mantener nuestra práctica underground, incluso radical, con auténtica independencia. Aquí en la Gran Manzana, una vez que hemos hecho las películas nos dirigimos a una serie de locales de exhibición muy variados. Durante décadas, parecía que los términos “experimental” y “documental” eran, lingüísticamente hablando, contradictorios, impulsos mutuamente excluyentes que se cancelaban entre sí. Al haber pasado los últimos tres años editando el Millenium Film Journal sobre “experimentos en el documental”, sé que directores estadounidenses, en todo el país, están desafiando el modelo de televisión pública para hacer trabajos basados en la realidad. Están produciendo de todo desde cortas diatribas con found-footage hasta observaciones de los destrozos del Katrina, desde retratos de la indigencia a la ansiedad de los suburbios”.

CINES EN NUEVA YORK
“¿Dónde exhibimos nuestro trabajo en Nueva York, te preguntarás? Lo creas o no, hay muchas pantallas que nos acogen. El cine más respetado, comprometido y arriesgado de Manhattan es el Anthology Film Archive, fundado por el cineasta y escritor lituano-estadounidense Jonas Mekas en 1970. En Brooklyn, el público coge el metro para llegar a un almacén al lado del río para ver sesiones increíblemente bien programadas en el Light Industry. En Williamsburg, un barrio de artistas, un grupo de unos siete jóvenes cineastas ha convertido su pequeño bloque de apartamentos en un refugio intelectual y vital para la proyección y el debate en torno al documental. Muchos directores experimentales eligen distribuir sus películas en la Filmmakers Cooperative, el distribuidor con el mayor catálogo de películas de vanguardia en el mundo. Llevo en el consejo de la cooperativa desde que mi hija de doce años era un bebé, así que se puede ver lo comprometida que estoy con este colectivo de artistas. Nuestro lema es muy claro: “No hacemos películas de color de rosa, hacemos películas del color de la sangre”. Esto me lleva a una reflexión sobre el cine-ensayo, que lleva en pie desde las primeras articulaciones visuales de Dziga Vertov en los años 20. Fue Vertov quien enunció aquella expresión irresistible: “la cámara como un bolígrafo”. Para mí, el ensayo cinematográfico es el desafío definitivo al cine comercial narrativo, es autorreflexivo, impulsivo, idiosincrásico e impredecible. Cuando me dispongo a usar mi cámara para expresar mis ideas sobre una experiencia que he tenido en el mundo, nunca me apoyo en un guión predeterminado. Para mí, cada película crea su propio lenguaje, sea poético, discursivo, enigmático o incluso irracional. Partiendo de este único tejido de imágenes, la película invita al espectador a un viaje que no sólo lleva a una nueva conciencia de su sujeto específico, sino también a una abrupta familiaridad con su lenguaje cinematográfico.
Como jurado aquí en Punto de Vista, me honra tener la oportunidad de ver tantas películas que abordan, cuestionan y reaniman el en ocasiones moribundo idioma del cine documental. Por lo que he leído sobre el festival, este es un de los pocos lugares en el mundo en el que la práctica cinematográfica de trabajar con la realidad es siempre artística, inolvidablemente personal y se mueve empujada por el “fluir”.

“Vive la baleine de Chris Marker es un apasionado collage-ensayo”
Vi Sans soleil, de Chris Marker, a mediados de los 80 en San Francisco. Vi su forma de hacer cine atrevida y partiendo de deambular con una cámara. Viajó solo a Japón, Suecia y el oeste de África, donde se planteó la revolución, las compras, la familia y la mirada en un íntimo ensayo cinematográfico que sacudió el pensamiento de muchos más cineastas que cualquier otra película que yo conozca.
La película de Marker mezclaba una intensa empatía con la picaresca global. Al mismo tiempo jocosa y comprometida, la película me descubrió la posibilidad de fusionar mi interés por la teoría cultural, la política, la historia y la poesía (aspectos de mi vida que todavía no sabía conjugar) en una sola expresión artística. Mientras hacía un posgrado, escribí un análisis sobre la película y se lo envié a Marker, quizás un poco ingenuamente. En una nota de última hora, también le pregunté si buscaba un ayudante en su estudio de montaje. Como respuesta a mi solicitud de trabajo, Marker señaló que, a diferencia de los Estados Unidos, en Francia los cineastas no podían permitirse tener ayudantes. Y, como respuesta a mi interpretación semiótica de su película, señaló que su amigo (y mi héroe) Roland Barthes no había llegado a interpretar su obra como yo lo había hecho. Marker sugirió que continuáramos la conversación en persona, en San Francisco. Poco después, me encontré llevando a Chris en mi coche de su hotel en Berkeley al Café Trieste, en North Beach, donde hablamos de sus películas, sus viajes y mi sueño de ser cineasta. Entonces saqué mi cámara y educadamente le pregunté si podía sacarle una foto. “No, nunca permito eso”. Entonces se giró y se dio la vuelta, dejándome avergonzada y convencida de que mi amistad con Marker había terminado.
Hace tres años, Jon Miller, presidente de Icarus Films, la distribuidora con la ambos trabajamos, me contactó para saber si me gustaría ayudar a Chris en la realización de una versión en inglés de su película de 1972 Vive la baleine, un apasionado collage-ensayo sobre la situación de las ballenas. Por supuesto, dije inmediatamente que sí. Renombró la nueva versión de 2007 Three Cheers for the Whale.
Después de que terminásemos la película, viajé a París con mis hijas para hablar con Chris sobre todo tipo de cosas. Justo antes de que nos fuéramos de su casa, me enseñó un álbum de fotos y notas que había recogido durante años. Había acumulado cientos de fotos y artículos sobre un joven político afroamericano que acababa de empezar la campaña para ser el siguiente presidente de Estados Unidos. Chris estaba convencido de que ese candidato desconocido podría enfrentarse a unos Estados Unidos históricamente racistas y ganar. Yo tenía dudas.

Szczesciarze (The Lucky Ones)

2010-02-09T09:50:00.001+01:00

A veces, cuando hablamos de la vida, lo hacemos en términos cuasi metafísicos. Pero en el día a día, la realidad es que cada paso importante que damos queda institucionalizado en el registro civil. Tal vez realizar tal afirmación es llevar las cosas al extremo, pero es la sensación con la que una sale tras recorrer los pasillos del registro civil de Cracovia.

The Lucky ones nos muestra diferentes historias que transcurren en distintos momentos de la vida: nacimientos, bodas y defunciones. Tratamiento de la condición humana desde una perspectiva cercana al espectador.

Es llamativo como muchos de los que recorren esos pasillos están dispuestos a llegar más lejos que el mero apunte de datos. Crean vínculos con las oficinistas, dispuestos a narrar lo mejor y peor de sus vidas. Desnudarse ante desconocidos: ante ellas y ante nosotros mismos. Un puzzle de historias con el que, de algún modo, tenemos que lidiar día a día. Y por eso las historias traspasan la pantalla, propinándonos tortazos y alguna que otra caricia.

María Iserte Alfaro

Le plein pays

2010-02-09T09:17:00.002+01:00

Avec des cathédrales pour uniques montagnes
Et de noirs clochers comme mâts de cocagne

En algunas asignaturas de Humanidades los alumnos estudian el caso paradigmático de los “niños lobo”: jóvenes que han crecido desprendidos de cualquier rasgo cultural. En este caso asistimos a la contemplación del caso contrario: la vida de alguien que creció en medio de una sociedad concreta y que por propia decisión decidió alejarse de la misma. Aunque una vez que has estado en ella, es imposible desprenderse.

Où des diables en pierre décrochent les nuages
Avec le fil des jours pour unique voyage

El protagonista, Massou, lleva 30 años viviendo como ermitaño en un bosque al sur de Francia. A pesar de esa negativa al constante contacto con humanos, ya en su habitación se encuentran objetos que le ubican en un tiempo concreto: posters de Briggitte Bardot y música de Jaques Brel acompañan sus horas de soledad. Sobre todo la música, tan importante en este documental que, de forma intradiegética, se convierte en secundario de honor de la película. La música de su transistor le acompaña a todas partes. Tal es así que, en ocasiones, mantiene “conversaciones” con el radiocasete en un lenguaje incomprensible. Se prescinde de subtítulos, porque sus palabras no siempre potencian lo que tiene en mente. Su imaginación, afectada por lo que ha visto y, sobre todo, por lo que ha escuchado, se refuerza mediante otro tipo de Arte; que, al fin y al cabo, es humanizador.

Et des chemins de pluie pour unique bonsoir
Avec le vent d'ouest écoutez-le vouloir

Aunque ha decidido aislarse de la sociedad, trabaja para ella. ¿Cómo? Durante tres décadas, ha cavado un túnel subterráneo donde realiza grabados. Se siente orgulloso de su trabajo, y no es para menos: con él adquiere un compromiso con la sociedad, en un intento por salvarla del fin del mundo. Resulta curiosa la forma en que su persona se va desvelando a lo largo de la película, a través de sus actos… aunque no siempre a través de sus motivaciones. El autor asegura que abordar el Arte Bruto como tema principal hubiera sido un error de enfoque. Por este motivo decide ir más allá: retratar su estado vital y, por ende, retratar parte de su alma.

Le plat pays qui est le mien

Un documental sin grandes artificios, intenso y emocionante que no dejará a nadie indiferente. Hay una polémcia latente acerca de la idea de humanidad y sociedad que se percibe durante todo el filme, pero queda retratada con respeto y elegancia. Los tiempos dedicados a la contemplación son una delicia para el espectador y repercutirán en sentimientos encontrados con varios momentos de ternura.
En fin. El Festival Punto de Vista tuvo una inauguración de lo más digna.

Canción: Le plat pays. Jacques Brel.
Película: Le plein pays. Antoine Boutet.

María Iserte Alfaro

Dia Noche

2010-02-08T20:31:00.003+01:00

Marcos Miján vive en China desde 2005, donde trabaja para los medios. Aunque no parece demasiado contento con esos quehaceres. Con esta película, busca mostrar la realidad de ese país con un enfoque que se aparte de lo que vemos normalmente en los telediarios. Esto lo ha conseguido.

Dada su situación, decidió que el punto de vista más sincero era el de los extranjeros. A través de sus conversaciones, intenta captar esa China desconocida: para nosotros y, aunque suene paradójico, para él mismo.

Cuando el espectador avanza en el visionado, se da cuenta de que Miján no deja “respirar” a las imágenes. La paciencia que, según asegura, tuvo para filmar todo lo que ocurre no se refleja en el filme. No da tregua a la contemplación: todo se sucede con gran dinamismo, lo que choca con el concepto que tenemos en occidente sobre los países asiáticos.

El encadenamiento de imágenes es interesante, los encuadres están cuidados, todas las historias tienen un conflicto claro. En general es una película correcta. Pero no logra emocionar… ¿por qué?

Tiene un conflicto inicial que no se explota ni desarrolla, además de centrar el relato en varios personajes sin una direccionalidad clara. El director se excusa diciendo que hay cierta intencionalidad en ese retrato reconstruido, porque refleja su propia incomprensión sobre el país.

Por otra parte, somos algunos los que hemos percibido cierta puesta en escena; sin embargo, Miján asegura que no hay guión. Será cierto, sí, aunque como bien se suele decir “no sólo tiene que ser verdad, sino parecerlo”. Y este no es el caso.

Parecería que se terminó la realización de la película por algún tipo de presión externa: como ya he dicho, los conflictos sembrados no se explotan y da la sensación de no haber dicho nada. Como si fuese una suerte de fotografía agradable en el momento de visionado, pero que se olvida pronto.
Sinceramente, tampoco estoy orgullosa de esta entrada de blog. Como bien dijo Rilke: “Las obras de arte viven en medio de una soledad infinita, y a nada son menos accesibles como a la crítica. Sólo el amor alcanza a comprenderlas y hacerlas suyas: sólo él puede ser justo para con ellas.” Pero el estilo encorsetado de “DiaNoche” ha dado lugar a eso mismo: una entrada-crítica encorsetada.

María Iserte Alfaro

Sweetgrass

2010-02-08T16:52:00.007+01:00

Se mire por donde se mire, Sweetgrass es una película de enorme belleza. De las que dejan un grato recuerdo y, con el paso del tiempo, nuestra memoria acrecienta sus virtudes y olvida sus defectos. Ver Sweetgrass es como irse de viaje. Uno debe sentarse en su butaca, con las luces apagadas, dispuesto a dejarse llevar al corazón de la naturaleza. Salvaje, peligrosa, y muy hermosa.

La película de Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash nos guía con paso firme a través de la odisea estival que protagoniza un puñado de ovejeros. Su misión es subir un rebaño de ovejas a las montañas para que pasten durante el verano. Pero lo que para ellos supone sólo un oficio, para el espectador urbanita se presenta como una aventura emocionante, que nos sumerge en los entresijos de un trabajo desarrollado por cientos y cientos de personas durante varios siglos, y que hoy, en este mundo mecanizado y con prisas, llega a su fin.

La gran baza de Sweetgrass reside en su forma de contar las cosas. No impone una mirada dirigida, ni una lectura única. La película se posiciona dentro de la corriente del documental observacional. La cámara enfoca y encuadra lo que entiende que tiene mayor interés, pero da pie a que el espectador obtenga sus propias conclusiones. Además, esa paciencia, esa calma en el mirar, construye una película profundamente sensorial, atenta a los detalles, colores y sonidos.

Sweetgrass huye del romanticismo y la mitificación, y elige una mirada realista ante lo que filma. Y por ello mismo dialoga con tantos y tantos westerns que han escrito, a lo largo de la historia del cine, la propia historia del oeste americano. Al final, por su propio afán desmitificador, Sweetgrass asienta su propio mito.

Fernando Asensio

Sweetgrass se vuelve a proyectar mañana martes a las 17:30 en Carlos III.

El conserje

2010-02-07T16:55:00.003+01:00

En el cortometraje El conserje, Pablo Baur registra con su cámara el día a día de un hombre metódico, ordenado y eficiente en su trabajo; pero también es una persona solitaria y aislada. Se llama Antonio y su profesión es la que indica el título. El corto arranca mostrándonos sólo el trabajo disciplinado de esta persona. Su rutina diaria. Friega el suelo, limpia los buzones, barre las escaleras, ordena el correo, fuma un cigarrillo cada media hora… El corto se presenta, por lo tanto, como una obra de carácter observacional, atenta a los detalles, en la que se despliega ante nosotros la vida de un hombre corriente y en cierto modo, invisible para el resto.

Pero, al mismo tiempo que nos preguntamos el sentido de estas imágenes, lo hace el propio director. Baur se plantea los motivos que le han animado a grabarle y los comparte con nosotros. ¿Por qué lo hace? ¿Qué ve en él? Y descubre que ese hombre se parece a su padre; es calvo, viste de traje y es meticuloso; pero también es alguien encerrado en sí mismo, incomunicado, como su padre.

A partir de aquí el cortometraje se reescribe a sí mismo para transformarse en una carta a su padre. O más bien, una obra audiovisual de carácter epistolar. De tal manera que, por medio de un extraño, de alguien ajeno a su vida, el director termina dirigiéndose a su propia familia, sincerándose ante su padre. Sin embargo, se le permite al espectador ser testigo de todo este proceso tan íntimo. Una carta, que surge de un extraño, termina en manos de otro extraño, nosotros. ¿Qué debemos hacer con ella?

Fernando Asensio

American Alley

2010-02-06T16:28:00.008+01:00

Las mujeres que viven en el asentamiento de American Alley buscan la estabilidad por medio del matrimonio mientras se ven obligadas a trabajar en los clubes de la zona. Pero no es nada fácil. La mayoría de las veces su situación es desesperada. En medio del egoísmo y la indiferencia, las que no encuentran pareja se sienten solas.

La película de Dong-Ryung Kim funciona a varios niveles. Como crítica social y política, como retrato de la soledad, y como denuncia de una situación insostenible. A pesar de la gravedad del tema que trata, este tipo de documentos rara vez consigue despertar algo más que una preocupación pasajera por los problemas del mundo. Estamos saturados por imágenes de denuncia. De modo que la película sólo alcanza su objetivo si nos prestamos a su juego. Todo depende de nuestra predisposición.

En un determinado momento, una de las chicas desnuda su corazón ante la cámara. Se siente sola y decide compartir sus emociones con quien le graba. Creo que este es uno de los momentos más duros de la cinta, cuando constatamos la falta de comunicación que sufre. Nunca muestra su dolor a los demás, pero no le importa compartirlo con el espectador. ¿Cómo puede alguien callarse ante quienes le rodean y mostrar todo su dolor a un extraño? Por otra parte, esta misma escena exige un debate sobre los límites de la representación. ¿Hasta qué punto se puede mostrar algo tan íntimo, tan personal?

La película se vuelve a proyectar el domingo a las 17:30 en Carlos III.

Fernando Asensio

Entrevista a Loïc Díaz Ronda, comisario de Las afinidades Vigo

2010-02-06T10:39:00.007+01:00

1. ¿Qué ofrece el ciclo "Las Afinidades Vigo"?

Las Afinidades Vigo está planteado como una muestra retrospectiva del cine francés de no ficción realizado durante la última década, que mezcla películas de distintos orígenes, formatos y estéticas. Todas ellas tienen como horizonte común el espíritu inconforme, corrosivo y experimental de Vigo. El ciclo está compuesto por obras documentales, piezas de artistas contemporáneos, películas experimentales, diarios filmados, ficciones documentadas o travelogs. Las sesiones están diseñadas según temas «vigolianos» como la rebelión juvenil, la excentricidad o el viaje... Las obras incluidas mantienen así, a través del tiempo, un diálogo con la figura seminal de Vigo. El ciclo actúa como un juego de ecos y reflejos en torno a ciertas obsesiones o maneras de entender el mundo y de hacer cine.

2. ¿En qué consiste su primera sesión, "Experimental Club Vigo" y cuál ha sido el criterio de selección de las películas que lo conforman? ¿Podría resumir en una línea qué le sugiere cada uno de los títulos de esta sesión?

Experimental Club Vigo es una sesión que resitúa A propósito de Niza en las coordenadas artísticas y culturales de la vanguardia cinematográfica francesa y europea de la segunda mitad de los años 20 y principios de los 30. Agrupa obras afines a la opera prima del director, realizadas por contemporáneos, amigos y habituales colaboradores de Vigo. Para mí, era fundamental ir a contracorriente de cierta visión romántica de la historiografía clásica, que considera al cineasta como un astro solitario, un caso excepcional en la historia del cine francés. Gracias a sus actividades de director y de cine-clubista, Vigo conocía y se relacionaba con las principales corrientes del cine experimental de su época. Cada título de la sesión permite así prolongar un aspecto de su obra en las distintas corrientes fílmicas de la época: la mezcla de humanismo y crítica social en Montparnasse o Jardin du Luxembourg, el intéres por el montaje y los efectos visuales en Histoire du soldat inconnu o Disque 957, el retrato de la vida popular con los recursos de la fotografía modernista en Marseille Vieux-Port o Les Halles de Paris, la vinculación con el surrealismo en L’hippocampe. Había otras obras interesantes como Fleurs meurties (1929, Roger Livet), que al final no pudieron incorporarse al pograma por razones legales. La selección final de piezas se hizo en colaboración con Luce Vigo, hija del director y crítica de cine, especialista de la obra de su padre y de la historia del cine francés.

3. ¿Cuál es la huella de Vigo en el cine francés de no ficción actual?

Básicamente se puede decir que Jean Vigo sigue siendo un mito del cine francés y del cine en general, admirado casi unánimemente desde posiciones muy variadas e incluso opuestas. A casi ochenta años de su muerte, sigue siendo citado como una influencia directa por algunos artistas o cineastas. Determinados trabajos contemporáneos incluso hacen gala de rasgos estilísticos próximos al famoso «punto de vista documentado», teorizado y puesto en práctica por el cineasta en sus películas. Sin embargo, las formas cinematográficas y la sociedad han cambiado tanto desde entonces que en Francia ya no se hace un cine a la Vigo. Más profundamente, diría que Vigo sigue siendo un emblema. Encarna un linaje filosófico y estético que atraviesa la cultura francesa de la modernidad hasta el día de hoy, que parte del anarquismo decimonónico, pasa por el surrealismo, las luchas sociales de los años 1930, el realismo poético y se prolonga después en movimientos como el letrismo, el espíritu del mayo 68, la revista Hara-Kiri o determinados sectores del punk y del cine experimental. Para mí, y también para algunos de los creadores incluidos en este ciclo, Vigo representa un etos y una ética, es decir: una forma rebelde, arriesgada y comprometida, pero llena de comicidad, de entender la vida, desde las relaciones sociales al erotismo.

4. ¿En qué radica la excepcionalidad de la obra de Jean Vigo?

Es una cuestión complicada, de la que se podría hablar durante horas. La primera cosa que se me ocurre es que Vigo lo tenía todo para convertirse en una leyenda. Era guapo, divertido e inteligente. Vivía tiempos acelerados e interesantísimos. Su padre, el periodista anarquista Miguel Almareyda, fue una figura histórica muy polémica, turbia y cautivante. Vigo fue rebelde. Hizo un puñado de películas emblemáticas que tuvieron todo tipo de problemas con la censura y fueron durante un tiempo invisibles. Murió de enfermedad a los 29 años sin que se supiera nunca cuántas obras maestras más hubiera podido crear ni hacia qué territorios creativos se hubiera deslizado su cine. Jean Vigo es además un cineasta clave porque realizó, en sus pocos pero muy intensos años de actividad, una serie de transiciones fundamentales para el séptimo arte,que se adelantan al cine «moderno» de la segunda mitad del siglo XX. Pasaje del cine mudo al sonoro, de la condición de cineasta independiente al cine de encargo détourné, de la vanguardia al compromiso político, del decorado a los escenarios naturales, del guión a la improvisación, de los tópicos melodramáticos a la complejidad psicológica, etc. Como lo ha apuntado el crítico Miguel Marías, Vigo es el primer cineasta que tiende un puente sólido entre las dos grandes tendencias, generalmente separadas del cine: la de ficción y la documental. Y finalmente, están las obras mismas: cuatro películas que conservan intacta su fuerza expresiva, su radicalidad política y su frescura emocional a pesar del tiempo. Hay algo misterioso en ello. Henri Langlois hablaba de alquimia para describir los logros de Vigo en cuanto a la fusión de la imagen y del sonido. De hecho, en cada plano de su obra se advierte una intensidad asombrosa. No sé quién dijo también que Vigo rodaba cada plano como si fuera el primero y el último.

5. Setenta años después, ¿qué nueva lectura hace el cine contemporáneo sobre el legado de Vigo?

Primero diría que, a nivel temático o filosófico, una serie de películas contemporáneas retoman las cosas donde Vigo u otros, como Pasolini, las han dejado. Por ejemplo, Genariello due volte de Elise Florenty, que filma la ocupación de un instituto por unos alumnos napolitanos en huelga, labra el camino abierto por Zero en conducta, buscando una plasmación visual justa, una forma cinematográfica experimental adecuada a la expresión de la rebelión juvenil. Creamy Krimi de Isabelle Prim, un ensayo «turístico» rodado en Berlín, indaga en el infierno social urbano, gracias al montaje dinámico y a asociaciones visuales que se aproximan, en gran medida, a los recursos fílmicos y al discurso crítico desarrollados en A próposito de Niza. El personaje de Ania en Retorno a Kotelnitch de Emmanuel Carrère es la hermana menor de la Julieta de L’Atalante y el Katerine de Peau de cochon un descendiente directo del excéntrico Père Jules, intrepretado por Michel Simon en el mismo filme. La soledad del deportista y el cine como vínculo y forma de romper el cerco son problemáticas centrales tanto en Taris como en Substitute de Fred Poulet. De un modo general, el cine contemporáneo sigue trabajando temáticas que ya eran las del cine de Buñuel o de Vigo, como la relación entre la muerte y el erotismo, la burla del poder y de los pudientes o el anhelo de emancipación. Lo que cambian son los recursos, la tecnología y la libertad de tratar de forma más explícita, aunque no por ello más acertada, determinados temas. En el fondo, es la misma historia pero por cauces distintos. Creo que el cine contemporáneo de no ficción no revoluciona, sino que profundiza o renueva algunos planteamientos surgidos dentro del cine de vanguardia de principios del siglo XX y dentro del cine del propio Vigo. André Bazin decía que el advenimiento de las teorías del cine-ojo, que tanto influenciaron a Vigo, era supeditado a la invención de una cámara equiparable al ojo humano. Casi se ha logrado hoy con las nuevas cámaras digitales miniaturizadas y me gusta pensar en lo que Vigo hubiera hecho con estas nuevas posibilidades.

Noemi Cuetos

Música para astronautas

2010-02-06T02:14:00.002+01:00

Estamos en un festival de cine documental, pero cuando traspasamos la puerta de “La región central” debemos dejar los prejuicios (y, a poder ser, los perjuicios) fuera. Cada vez se distinguen menos los límites entre la ficción y el documental, aunque ya Vigo dijo que el documental era muestra de lo fantástico. Y esta película se mueve por esa fina línea.

Se trata de un poema visual, donde muchas veces la metáfora se nos escapa y el resto se actúa. ¿Qué nos queda, entonces? Un cúmulo de imágenes hermosas unidas a otras que pueden llegar a rozar lo esperpéntico.

Tiene razón Cohen cuando dijo que lo mejor no siempre es hacer películas fáciles para el público, pero yo añado que sean fáciles o no, las mejores son aquellas que nos dicen algo sobre la condición humana. Sin embargo, durante el visionado de esta película, he tenido la sensación de que se estaba limitando a la parte estética. Captando sensaciones para transmitir eso mismo: sensaciones. Y no profundizar más allá.

En otros momentos me ha logrado captar, comprobando hasta dónde exploraba el señor Baca los límites del cine. Hay buenos juegos de imágenes a lo largo del filme, como las que componen la escenificación del parto. Claro que son fáciles de percibir por su clara evidencia. Aunque no todo lo evidente es lo mejor. De hecho, las que no lo son ganan en sugerencia (véase todas aquellas que se relacionan de forma directa con el cuerpo humano).

Y si el espectador logra tener la capacidad de dejarse llevar por las imágenes y los sonidos, se dará cuenta de que se trata de una película repleta de estereotipos en referencia a la sociedad actual. Que, vaya, es toda una ayuda. Pero queda claro que la mente de Boca no habla demasiado bien sobre la sociedad que nos ha tocado vivir.

María Iserte Alfaro

Sesión inaugural con Jem Cohen

2010-02-06T02:04:00.002+01:00

Hoy ha tenido lugar el encuentro con el cineasta Jem Cohen. No voy a ser yo la que resuma su biografía en estas líneas ni realice una retrospectiva sobre su obra: es trabajo de ustedes rastrear esta información por los “rincones” del Festival.

En esta sesión inaugural han quedado claras dos cosas: que algunos asistentes parecían no tener ningún conocimiento previo sobre el cineasta (lo que ha podido entorpecer el entendimiento) y que Jem Cohen no solamente tiene un algo especial para la captación y montaje de imágenes, sino que es rápido en respuestas. Y contesta pero que muy bien.

A pesar de los problemas técnicos que se han dado al principio, la sesión ha transcurrido de forma amena y profunda, con la visualización de varias de sus obras en las que predominaba el paisaje urbano. Pero, casualidades de la vida, parece que los presentes más atrevidos han dado voz de alarma y han ensalzado el filme “romántico” cuyo leit motiv era el agua. Gustos diferentes que Jem Cohen atribuye a lo agradable del cine fácil.

Pero, como bien ha dicho, este festival se distingue de otros tantos por considerar el cine como un reto, del que muchas veces saldrán propuestas duras. Pero no siempre se deben replantear los mismos retos. Al fin y al cabo, durante esta semana tendremos ocasión de acudir al visionado de las perspectivas de diferentes autores con un nexo en común: mostrarle al espectador el mundo real.
Pero lo más importante: las películas que quedan en la memoria, que te hacen reflexionar, esas son las buenas películas. Cuánta razón, señor Cohen.

María Iserte Alfaro

Bienvenidos

2010-02-05T16:47:00.002+01:00

En unas horas arranca oficialmente Punto de Vista, con la sesión inaugural de nombre "Rarezas y cosas por llegar: una noche con Jem Cohen", en la que Cohen presentará obras de su extensa filmografía que han tenido escasa difusión y piezas en las que está trabajando en la actualidad.

3, 2, 1...

2010-02-01T22:21:00.002+01:00

Cuenta atrás sin vuelta atrás. Ya estamos en las oficinas nuevas, las películas llegan y se distribuyen por los cines, caen los últimos mensajes de acreditados rezagados, abrimos cajas con libros, catálogos, instalamos impresoras y... presentamos la cabecera del festival, realizada por Víctor Iriarte, antiguo participante en La mano que mira, con acompañamiento musical exclusivo de Musergo.

Un programa

2010-01-22T13:59:00.003+01:00

Un programa de mano para ordenarlos a todos. Un programa de mano para controlarlos a todos. Un programa de mano con toda la información necesaria para orientarse en la sexta edición de Punto de Vista. Un programa de mano descargable aquí. Y además, en lustrosos colores.

OVNIS con piel de cerdo

2010-01-19T19:43:00.002+01:00

Cahiers du cinéma, en su edición francesa, y en su número de enero, dedicado a lo mejor y más relevante de la década que ahora cerramos, ha incluido una simpática lista con los diez "OVNIS" de estos diez primeros años del siglo XXI, para elegir aquellas películas más soprendentes, inclasificables o marcianas.
Y entre ellas, y junto a Tarnation, de Jonathan Caouette (2004) o Waltz with Bashir de
Ari Folman (2008), han elegido una de las películas integrantes del ciclo Las afinidades Vigo con el que Punto de Vista homenajea (a su manera) al cineasta seminal Jean Vigo: Peau de Cochon, de Philippe Katerine (2005), al que dedican este intrigante párrafo (en francés, a pelo), escrito por Joachim Lepastier:

Le chanteur Katerine se saisit du cinéma avec les sous-moyens du bord et implique sa personne et son entourage dans des plans-séquences sans filet et parfois piégeurs. de l’art ou du cochon ? Du chiqué ou du natu-rel ? Du bidon ou de l’authentique ? Sinistre ratage ou éclatante réussite ? Cette exploration des frontières de l’incertitude se révèle à l’avenant de la démarche décloisonnante du seul artiste à être invité avec les mêmes honneurs à la star ac’ et au Festival d’avignon. Un précis potache sur les intermittences de la complicité doublé d’un discret manifeste de la poésie de l’infra.

Adjuntamos imagen-testimonio.

Algunos nombres...

2010-01-15T12:20:00.005+01:00

...de todos los que encontraremos, del 5 al 13 de febrero, en Pamplona.

We don´t like music videos

2010-01-14T08:00:00.001+01:00

Hace vídeos. Hace vídeos con música. Pero no hace vídeos musicales. Pero no hace videoclips. Es Jem Cohen. Protagonista de la próxima edición de Punto de Vista, traemos aquí una entrevista en vídeo realizada en Roma, cuando presentaba su largometraje Instrument, realizado junto con la banda Fugazi, y que perfectamente puede servir de introducción al trabajo, y la figura, del último cineasta independiente.

Acreditaciones, ya disponibles

2010-01-11T23:15:00.012+01:00

Quedan 25 días para que empiece la sexta edición de Punto de Vista.

Tenemos la programación a punto, tenemos a los invitados confirmados, un libro en camino, una cabecera filmada en Súper 8, el dossier de prensa está listo, el catálogo está en el horno, y desde ya, periodistas, profesionales y estudiantes de Comunicación Audiovisual pueden acreditarse aquí (periodistas) o bien aquí (el resto).

¡Corran, aprisa, nos las quitan de las manos, oiga!
(La excelente foto ha sido escamoteada al excelso Martin Parr)

VC

2010-01-06T18:54:00.002+01:00

Jem Cohen es uno de los protagonistas de la próxima edición de Punto de Vista. Jem Cohen era muy amigo de Vic Chesnutt. Vic Chesnutt colabora en el libro que Punto de Vista editará sobre Jem Cohen. Vic Chesnutt era músico. Vic Chesnutt murió estas navidades. Este es un vídeo imperdible.

Sección oficial 2010

2009-12-23T16:31:00.002+01:00

Ya tenemos sección oficial para Punto de Vista 2010. 21 películas de entre las 719 recibidas. Suerte a todas.

LARGOMETRAJES

Le plein pays (Francia), Antoine Boutet, 58'

Let each one go where he may (Surinam/EEUU), Ben Russell, 135'

American Alley (Corea), Dong-Ryung Kim, 90'

Demolition. (China / EEUU), John Paul Sniadecki, 62'

Sweetgrass (Francia, Gran Bretaña, EEUU), Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash, 101'

Danza a los Espíritus (España), Ricardo Íscar, 80'

La mort de la Gazelle (Francia), Jeremie Riechenbach, 45'

Cooking History (Austria, Eslovaquia, Chequia), Peter Kerekes, 88'

The American who electrified Russia (Gran Bretaña), Michael Chanan, 105'

Fragments (Israel), Yonatan Haimovich, 50'

Dianoche (España), Marcos Miján Pérez, 63'

Los materiales (España), Los hijos, 67'

RIP in pieces America (Canada/EEUU), Dominic Gagnon, 62'

Tarata (Bolivia), Alan Ferszt, 42'

CORTOMETRAJES

The darkness of day (EEUU), Jay Rosenblatt, 26'

Amanar Tamasheq (España), Lluis Escartin, 14'

The lucky ones (Polonia), Tomas Wolski, 27'

El conserje (España), Pablo Baur, 20'

The marina experiment (EEUU), Marina Lutz, 18'

Point of Departure (EEUU), Iris Ng, 26'

Till it hurts (Polonia), Marcin Koszalka, 25'

Hurry up! Call for entries 2010

2009-09-15T08:17:00.001+01:00

¡¡El plazo acaba el 30 de septiembre!!Hurry up!!

Benning+Google

2009-07-08T18:15:00.002+01:00

James Benning à Pampelune from Independencia on Vimeo.

Independencia, web de crítica instantánea (y militante) es hija directa de los problemas que está viviendo la edición francesa de Cahiers du Cinéma. Uno de sus impulsores, Antoine Thirion, estuvo en Punto de Vista en la pasada edición, y grabó este vídeo de James Benning en la conferencia en la Universidad de Navarra. Imprescindible.

Call for entries 2010

2009-06-12T11:47:00.002+01:00

Punto de Vista 2010 ya está en marcha. Hasta el 30 de septiembre de 2009 permanecerá abierta la inscripción de películas. Lean las bases e inscríbanse. Hasta el 30 de septiembre.

'ESENCIAL BENNING' EN CAHIERS DU CINEMA

2009-04-13T17:22:00.000+01:00

Hamaca

2009-03-13T12:00:00.004+01:00

No se nos escapa esta crónica, publicada en el blog de la distribuidora Hamaca, sobre la quinta edición de Punto de Vista, escrita a cuatro manos por Usue Arrieta y Miguel Fernández Labayen.

CRONICA DE EMILE BRETON EN L'HUMANITE

2009-03-10T17:48:00.003+01:00

El gran crítico francés Emile Breton publicó el pasado 4 de marzo la siguiente crónica sobre Punto de Vista y Cinéma du Réel, dentro de su columna semanal 'La chronique cinématographique d’Emile Breton', muy recomendable para todos los que quieran encontrarse con sorpresas cinematográficas semana a semana.

VISIONS DU RÉEL: PARIS-PAMPELUNE

C’est la fête au réel. Elle commence aujourd’hui avec le trente et unième festival de ce nom, le Cinéma du réel, à Paris, et le mot fête n’est pas trop fort. Vingt films en compétition internationale, dix-huit pour le panorama français, et des hommages, des ateliers, des rencontres, des installations, une redécouverte de la télévision d’hier, c’est un programme à ne savoir
où donner de l’oeil qui, à Beaubourg et hors les murs, occupera plusieurs salles, jusqu’au 17 mars. Si, par exemple, la section « la télévision à l’avant-poste » devrait faire découvrir aux cinéphiles d’alors qui regardaient de haut l’écran trop petit pour eux qu’il s’inventa là quelque chose à partir des années soixante, l’hommage au Canadien Pierre Perrault, un fidèle du festival, mort il y a dix ans, devrait amener des spectateurs plus jeunes qui ne connaissent même pas son nom à se rendre compte que le Québec, dans ces mêmes années, fut un admirable lieu de vie pour le cinéma. Et l’on n’oubliera pas cette section qui est, si l’on peut dire, d’éducation civique : « désobéissance technique, pratiques libres », exploration du monde à partir des nouvelles techniques d’enregistrement ou la radiographie de Marseille que représentent les sept films, courts et longs (six heures un quart de projection) que Denis Gheerbrant a tournés en quatre ans, de la rue de la République à la cité Saint-Louis.

De cette fête on ne retiendra aujourd’hui qu’un film pour ce qu’il dit du « réel » et de son appropriation par le cinéma. C’est Archipels nitrate, de Claudio Pazienza, sur la Cinémathèque belge. Il a plongé dans ses archives, passant d’un film à l’autre et le cri de l’afficheur voyant partir son vélo monté par un autre dans le Voleur de bicyclette (1948) s’achève sur le même cri, un film et des années plus tard.

Le vieil homme du Bonheur, de Medvedkine (1932), rabote son cercueil et une femme le regarde de sa fenêtre. Elle est belge sans doute, et filmée aujourd’hui dans sa maison de briques rouges, sur quoi arrive, d’un autre film, la vieille dame amoureuse de Tous les autres s’appellent Ali (1973). Ainsi s’enchaînent les histoires dans ce film placé sous le signe de la métamorphose, déchirure d’une coque pour qu’un papillon s’envole. Et c’est un bonheur de voir comment le cinéaste, de tous ces trésors, fait son miel, c’est-à-dire un autre film, vivant, où la voix d’Anna Magnani monte d’une bobine fatiguée par trop de passages, et surgit son image, pathétique, dans l’Amore (Rossellini, 1948). « Le réel, dit Pazienza, c’est ce que nous savons en tirer. Une création. »

À Pampelune, en Espagne, Punto de vista (Point de vue) est bien plus jeune que le Cinéma du réel. Il n’en est qu’à sa cinquième édition, mais manifeste une haute ambition.

Il montre, comme tous certes, des films, mais surtout appelle à réfléchir sur le cinéma documentaire. Et cette année (au mois de février), c’est autour du cinéaste américain James Benning et, avec lui, les spectateurs qui y étaient invités. Né en 1942, mathématicien de formation, il a réalisé depuis 1971 plus de trente films, et il est à peu près inconnu en France. Il serait temps que soit comblée cette lacune. Huit films de lui étaient à Pampelune. Traitant ses sujets en très longs plans larges, sans commentaire mais avec une saisie des sons de la nature aussi méticuleuse que celle des images, il dresse de son pays un impressionnant état des lieux. RR (2007), par exemple, est un film sur les trains de marchandises qui sillonnent le pays, trains interminables à plus de cent wagons, et c’est au bout du compte la description de l’immense réseau sanguin d’un continent, un organisme vivant, palpitant. Casting a Glace (2007) déploie ses beautés sur une échelle plus vaste encore. Pendant des années il a filmé, toujours en plans fixes, la jetée de pierres en spirale qu’un artiste de Land Art, Robert Smithson, a lancées dans le Grand Lac salé en Utah. Algues proliférant l’été, glaces d’hiver, flocons d’écume salée montant à l’assaut des pierres comme autant d’inquiétantes larves rongeuses, c’est le travail même du temps qui est dit ici. Et qui ajoute encore à la beauté des oeuvres humaines, sous les ciels profonds de l’Utah. Un Monet en mouvement. Ce film appelle la méditation au rythme apaisé de son montage. Comme Pazienza, Benning ne dit rien d’autre que cela : il n’y a pas des sujets nobles et d’autres triviaux (quoi de plus banal qu’un train dans un paysage ?), il n’y a que le regard d’un cinéaste pour savoir les montrer. Un punto de vista.

d’Émile Breton

(En la fotografía, Emile Breton, abajo a la izquierda, en una de las sesiones de Punto de Vista 2009)

Más ecos

2009-02-27T00:57:00.003+01:00

Siguen llegando los ecos de la quinta edición de Punto de Vista. La entrevista que Sara Brito , entre película y película, realizó a James Benning en Pamplona y la crónica de Ángel Santos para Miradas.net.

En la foto, ganadores y jurados.

Ecos

2009-02-22T12:55:00.003+01:00

Martin Pawley escribió ayer en el Xornal de Galicia un bonito artículo sobre Punto de Vista. Gracias, Martin.

Y Carlos Mugiro, director artístico del festival, habla largamente en el Diario de Noticias.

HUMAN REMAINS (restos humanos)

2009-02-20T17:42:00.004+01:00

¿Cómo sacar el lado humano de los monstruos? El director Jay Rosenblatt lo justifica diciendo que los monstruos no existen, si no, no serían seguidos por grandes masas de gente. Hitler, Mao, Franco, Stalin y Mussolini son los protagonistas de este estudio en el que vemos su lado más cotidiano y en definitiva humano.

Algo extraño se produce en el espectador. Si no supiéramos el contexto, nos parecería un documental de lo más agradable y ameno, y nos sentiríamos algo identificados con ellos. Pero todos sabemos lo qué hicieron y es imposible esbozar ni una sola sonrisa.

También hace que el espectador esté continuamente pensando por qué hicieron esas barbaridades. Hay ciertas manías u odios que pueden derivar en lo que hicieron, pero nunca nos imaginaríamos hasta qué punto.

Curioso documental de treinta minutos que estudia la psicología de estos dictadores, sus manías, sus hábitos alimenticios y sus deseos. El horror desde otro punto de vista.

LA ORILLA QUE SE ABISMA

2009-02-20T14:38:00.004+01:00

Esto es pura poesía. Una hora de viaje a través de diferentes ríos, en el que el director se plantea ver más allá. No hay diálogos, sólo el sonido de los ríos. Un documental muy poético que pretende descubrir ese abismo que esconden los ríos. ¿Cómo llegar al sentido del río más allá de él mismo?

Palmarés 2009

2009-02-20T12:34:00.002+01:00

El Festival Internacional de Cine Documental de Navarra Punto de Vista ha dado a conocer el Palmarés de esta V edición. Alicia en el País, de Esteban Larrain, se ha hecho con el Gran Premio Punto de Vista a la mejor película, dotado con 10.000 euros. El Jurado ha destacado la película "por reflejar una preocupación social desde una historia mínima, un viaje iniciático, frágil e incierto en donde lo concreto deviene universal y cada gesto nos devuelve hecha cine esa realidad, no siempre justa, entre nosotros y el mundo que habitamos".

El Premio Jean Vigo a la mejor dirección, dotado con 5.500 euros, ha recaído en Mirages (Espejismos) de Olivier Dury, "por mostrar con complicidad esa distancia que construimos entre unos y otros, proponiendo una búsqueda fílmica del lugar desde el cual hablar y cuestionarnos la mirada que edificamos sobre la realidad que nos rodea".

El Premio al mejor Cortometraje, dotado con 3.500 euros, ha sido para Lost world (Mundo perdido), de Gyula Nemes, "por retratar una utopía social rota, a través de una propuesta formal en donde la belleza se encuentra en la grieta entre la realidad soñada y la huella de lo vivido".

Además, el Jurado ha concedido una Mención especial, dotada con 1.250 euros, a Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo, de Yulene Olaizola, "por el pulso narrativo con el que hace emerger la figura de un personaje ausente desvelando, por el camino, la complejidad de la relación entre quien filma y quien es filmado". La misma película ha recibido también el Premio Especial del Público, dotado con 2.500 euros.

Desde otro punto de vista

2009-02-20T00:32:00.004+01:00

Nació hace varios años, y dejó de existir hace algún tiempo. Y ha resucitado con Punto de Vista 2009. Es Docuaderno, un blog especializado en cine de lo real que ha estado siguiendo, día a día y con criterio, las proyecciones del festival. Una muy buena manera de acercarse con buen criterio a lo que está a punto de acabar.

El fin de Sin Fin

2009-02-20T00:25:00.001+01:00

José Antonio Sistiaga presentando, en el marco de Heterodocsias SIN FIN, su película, inédita e inacabada, sobre los Encuentros de Pamplona de 1972. Nunca se había visto una proyección así. Nunca se habían visto esas imágenes. Nunca, probablemente, se volverán a ver de esa forma. José Antonio tiene intención de sonorizar lo que ayer fue mudo, de remontar la película, de añadirle secuencias a algo que, ahora, dura 45 minutos.
La de ayer fue una proyección única. SIN FIN.

De números y cines

2009-02-19T11:44:00.003+01:00

Manu Yánez vino, se fue y ahora ha escrito. Hay que leerle.

PD: en la imagen, Lunch Break, de Sharon Lockhart.

VÍDEOS/DOCUMENTOS CON ARTISTAS

2009-02-18T19:41:00.008+01:00

Cuatro artistas navarros se han dejado grabar su día a día para una colección Vídeo /Documentos, producida por el Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra. Ayer se proyectaron los dos primeros, con tanto éxito que se tuvo que hacer un nuevo pase a las diez y media de la noche en los Golem Yamaguchi.

El primer documental se titula “Últimamente” y está dedicado al pintor José Luis Aquerreta, su mundo personal. Nos transmite su forma de entender el arte; según el autor, no son sacerdotes modernos que transmiten un mundo lejano a la gente. Aquerreta es filmado en su día a día como pintor, como si tuviera otra profesión más.

“Pulso a la materia” es un documental sobre el escultor José Ramón Anda. Su gusto por la escultura vasca y los árboles huecos se ve reflejado en este documental, con el que descubrimos artistas como Chillida. José Ramón Anda descubre nuevas vivencias y viaja por Bakaiku, por Madrid y por Roma, donde cursó sus estudios, para hacernos partícipes de su forma de entender las esculturas.

El jueves 19 se proyectarán los otros dos documentales sobre los artistas David Rodríguez Caballero y Pedro Salaberri en los Golem Yamaguchi a las 20.30 horas.

Pamplona, 1972

2009-02-18T11:36:00.002+01:00

Hoy, miércoles 18 de febrero de 2009, Pamplona vuelve a su pasado. José Antonio Sistiaga presenta hoy, en Saide Carlos III, su película inédita Encuentros 1972, Pamplona, rodada durante los días que duraron los "Encuentros" y que ha permanecido inédita hasta ahora.

Los herederos

2009-02-18T10:43:00.004+01:00

La película "Los Herederos" de Eugenio Polgovsky muestra a decenas de niños de México en su vida cotidiana. Pero lo cotidiano en estos niños no es ir a la escuela o jugar, sino que ellos, en su día a día, cargan leña, tallan madera, cosen, recogen tomates o judías, preparan tortitas, se encargan del ganado o cuidan de sus hermanos más pequeños. Y es que estos niños son “los herederos”, los herederos de unas condiciones de vida míseras que ya tenían sus padres y sus abuelos y que tendrán también sus hijos y sus nietos, porque esta situación de vida se ha convertido en cotidiana.

Lo que hace Polgovsky en esta película es dar a conocer y presentar las duras condiciones en las que estos niños viven. Y para ello, además de mostrarnos las tareas que realizan, recurre a sus rostros, que muestran a unos niños resignados, sumisos, tristes, unos niños inconscientes que no se plantean su derecho a ser niños. No hace falta ni un testimonio que explique la situación de estos niños para que el público comprenda cómo viven. Y en efecto no los hay. La cámara se despoja de la voz del narrador, de los testimonios de los personajes y de los diálogos. La cámara observa y narra. Y el espectador queda atrapado por la belleza de estos niños y de los paisajes y sobrecogido por la dura infancia que tienen.

BOOTHS (Cabinas)

2009-02-18T00:46:00.004+01:00

¿Qué tienen en común las personas que trabajan dentro de cabinas? Mikhail Zheleznikov intenta responder a las preguntas que le surgían cuando era pequeño, cuando se preguntaba por qué la gente estaba dentro de esas casetas, cabinas de vigilancia o puestos de trabajo. Mezclando las entrevistas con las que indaga en la vida de estas personas con las teorías que tenía de niño sobre la razón por la que estaban ahí logra realizar este documental que refleja un hecho cotidiano y poco reflexionado.

Con ciertos toques de humor (al fin y al cabo se trata de sus reflexiones infantiles) consigue una historia entretenida y sencilla de ver, hasta el punto de que casi te hace creer que en verdad hay una relación entre todos los que trabajan dentro de estas pequeñas cabinas. Muy recomendable.

LINE (Kotani Tadasuke)

2009-02-18T00:28:00.004+01:00

Un desahogo de sus sentimientos filmando cuerpos de mujeres desnudas, cicatrices. El director japonés de “Line” (en la foto) intenta afrontar la situación de tener un padre borracho y lo hace llamando a prostitutas que se dejen grabar sus cuerpos. No es fácil entender por qué utiliza a estas mujeres para superar la herida por el alcoholismo de su padre. ¿Cómo se justifica? A veces roza el límite de lo pornográfico y resulta más bien un desahogo muy personal que no es cercano al público.

Al director le vemos dormir, comer, incluso graba las conversaciones que tiene con su padre cuando está borracho. Pero lo que percibimos es una relación fría, distante. Un documental muy personal con el que evoluciona el director y saca su propia conclusión: no queda más remedio que afrontar el problema de su padre.

Nota: no disponemos de imágenes de la película

Bitch academy

2009-02-17T10:50:00.003+01:00

Alina Rudnitskaya participa en la Sección Oficial de Punto de Vista con Bitch Academy, una película de 29 minutos que trata sobre la situación de las jóvenes en Rusia.

Las chicas de San Petersburgo vuelven a ir al colegio. Pero esta vez no van para aprender lengua o matemáticas. Esta vez quieren aprender a seducir, controlar y casarse con los hombres, en concreto, con hombres ricos. Y para ello, un profesor les enseña cómo tienen que vestir, cómo tienen que moverse, cómo deben bailar o cuál es la forma de suplicarles a los hombres para conseguir dinero.

Pero además de plasmarnos un hecho de la vida de las jóvenes rusas, Alina Rudnitskaya, apoyándose de los abundantes primeros planos, consigue adentrarse en el mundo interior de sus personajes y acercarnos a ellas y a sus verdaderos sentimientos. Entre risas se nos muestra una realidad cruda y amarga: la de unas jóvenes que se convierten a sí mismas en objetos, en cuerpos sin alma. Y es que Bitch Academy es un documental tragicómico, agridulce, y al mismo tiempo que uno se ríe, piensa “pobres chicas”.

IRAQUI SHORT FILMS

2009-02-16T23:53:00.005+01:00

Esto sí es la guerra. Es la guerra que nunca vemos en los medios de comunicación. Es la sensación de que todos somos unos ignorantes. ¿Cómo podemos pensar que alguien se quede mirando cómo explota una bomba y se alegre por los que ahora ya están muertos? ¿Cómo puede haber tanto odio contra la raza humana?

Un documental claramente político en el que se cuenta, a través de una recopilación de videos, el día a día de los dos bandos implicados en la guerra. Imágenes reales grabadas con teléfonos móviles o cámaras digitales. Pero aquí la calidad nos importa más bien poco.

Es el otro punto de vista que no vemos en la televisión. Un documental necesario que deja huella, la guerra está presente.

Foto a foto

2009-02-16T21:11:00.002+01:00

Para los que estén lejos. Para los que no puedan venir. Para los que quieran volver a vernos. O volver a verse.
La galería de fotos de Punto de Vista.

Arriba del todo, el testimonio de que James Benning sí estuvo aquí.

THE CHAIR (La silla)

2009-02-16T19:38:00.008+01:00

Sólo unas cuantas fotos bastan para imaginarnos lo que ocurrió en aquella silla. Durante la ocupación de Berlín en 1945, la bisabuela de la autora de este documental intentó hacerse con una silla utilizada por los soldados rusos dos meses antes. Grace Schwindt nos narra su historia personal descubriendo que su bisabuela fue violada como una víctima más de la guerra.

El montaje es sencillo, una sucesión de sillas distintas, cada una con sus peculiaridades. Pero una misma historia, que la oímos a través de una conversación telefónica de menos de 10 minutos. No hacen faltan más imágenes para saber lo que pudo ocurrir en aquella silla.

EL CIELO, LA TIERRA Y LA LLUVIA

2009-02-16T14:29:00.011+01:00

¿Cómo conseguir que el paisaje sea un personaje más? Sur de Chile y cuatro vidas silenciosas. Ana es una chica tímida y silenciosa que trabaja de cajera en una tienda y también cuida a su madre, que está enferma en la cama y siempre permanece callada. Su amiga Verónica, desconfiada, independiente. Marta es una enferma mental cuidada por su hermano boxeador. Y por último, un hombre misterioso, “Toro”, que contrata a Ana para que haga las tareas de la casa cuando Ana es despedida (por permanecer en silencio). La vida de todos ellos se cruzan y lo hacen en escenas cotidianas como comer, pasear o ir en barco…

Es una película lenta llena de planos largos, como la vida de estas personas. Una película que nos recuerda a Ozú. El silencio está presente, no sólo en sus vidas, sino también en el paisaje que les rodea. El sonido del mar, de las hojas, del viento…El mismo título nos da la pista. Y mientras, unas imágenes que hablan por sí solas.

El director nos muestra la interioridad de estas personas a través de los dos protagonistas de la película: el paisaje y la soledad (el silencio), pero establece un límite; no podemos acceder a ellos cuando lloran, cuando no responden a preguntas. ¿Quién es Toro? ¿Qué le pasa a Marta que no habla? ¿Por qué llora? ¿Por qué Ana llora? ¿Por qué a Ana le cuesta responder quién ha sido el que ha robado el dinero? ¿Qué siente por Toro? ¿Por qué Verónica sueña que es feliz porque inventaba la mantequilla? ¿Por qué los cuatro protagonistas se aíslan del mundo? ¿Qué hay dentro de estas personas que causa tanto dolor y no se nos puede mostrar? ¿Qué secreto esconden dentro? El espectador se queda con muchos interrogantes, pero sólo hay una respuesta: EL SILENCIO. Lástima no tener al director para responderlos.

EL CIELO, LA TIERRA Y LA LLUVIA (2008)

Chile. 2008. 110 Minutos.

Dirección y Guión: José Luis Torres Leiva

Producción: Bruno Bettati, Elise Jalladeau, Peter Rommel

Fotografía: Inti BrionesEdición: Ilán Stehberg, José Luis Torres LeivaSonido: Ernesto Trujillo, Roberto Espinoza

Dirección Artística: Verónica Astudillo

Intérpretes: Julieta Figueroa, Pablo Krögh, Angélica Riquelme, Mariana Muñoz, Francisco Ossa, Norma Ortiz.

“Flor de lila/ Holunderblütte”

2009-02-15T12:23:00.003+01:00

La película “Flor de lila/ Holunderblütte” del cineasta alemán Volker Koepp fue la encargada de inaugurar el viernes 13 de febrero la quinta edición del Festival Internacional de Cine Documental Punto de Vista.
Volker Koepp viaja a la zona de Kaliningrado, un enclave ruso situado entre Polonia y Lituania, para filmar la situación de declive, decadencia y desempleo que vive la región. Pero esta situación de adultos borrachos y sin trabajo se nos muestra de la mano de los niños, la flor que da esperanza a un futuro en ruinas. Y es que el cineasta solamente ofrece el testimonio de los niños, de unos niños que ríen y lloran, que juegan y sueñan, de unos niños fuertes e inválidos, pero siempre unos niños sinceros, de mirada transparente que son presentados de forma poética, emocional, con sutileza y calma, por lo que resulta muy fácil convertirse en partícipe de sus sentimientos y quedar atrapados por la belleza de este documental.

Volker Koepp estuvo presente en el acto y contestó a alguna pregunta. Señaló que para tratar con los niños lo que hizo fue interesarse realmente por su vida y por lo que le contaban, sin hacer reclamaciones ni demasiadas preguntas.

Se vuelve a proyectar el viernes 20, a las 22.30 horas, en los cines Carlos III.

MEETING POINT

2009-02-12T14:51:00.004+01:00

Nicolette ha sido la primera en recoger su acreditación. Es el punto de encuentro del festival, todos los días a partir de las 22.30 horas.

Ver mapa más grande

Mejor robar

2009-02-11T10:14:00.004+01:00

Mejor robar que rodar. Con ese título, Antonio Weinrichter, comisario del ciclo La segunda vida de las imágenes, dará comienzo al festival este jueves con una conferencia sobre remontaje y cine de apropiación titulada así, Mejor robar que rodar.
La conferencia será el jueves 12 de febrero a las 19.30 horas en Civican (Avda. Pío XII, 2. Pamplona), y la entrada es libre.

MARK RAPPAPORT TAMBIEN ESTARA EN PDV

2009-02-10T15:41:00.005+01:00

El cineasta neoyorkino Mark Rappaport, conocido sobre todo por sus trabajos de remontaje a partir de imágenes del cine clásico, acudirá a Punto de Vista para presentar la que se considera su obra más acabada, "Rock Hudson's Home Movies". Esta película forma parte del ciclo La Segunda Vida de Las Imágenes, que repasa la historia del cine de compilación y apropiación. En el libro que acompaña a la retrospectiva, Antonio Weinrichter escribe a propósito de este film: "Rock Hudson’s Home Movies" (1992) del neoyorquino Mark Rappaport es ya una obra de carácter claramente ensayístico, una ilustración ejemplar de un modelo de glosa o crítica de cine hecha con los medios del cine. Al mismo tiempo inaugura una forma nueva, la autobiografía imaginaria, el retrato imaginario no es una novedad pero aquí se realiza en primera persona, luego cabe hablar de autobiografía. Tanto este título como el inmediatamente posterior "From the Journals of Jean Seberg" (1995) se presentan como un relato biográfico en primera persona, pero desde la tumba, post mortem, de las estrellas protagonistas: un actor que encarna se dirige a nosotros explicándonos la clave de su destino a través de su imagen propia en clips de las películas que protagonizó a lo largo de su carrera. (…) La riqueza textual de esta compleja forma de enunciación del comentario es en más de un momento comparable a la que exhiben películas de Chris Marker como "Sans Soleil" (1982). Rappaport ha exhibido recientemente en el Lincoln Center la exposición "Brief Histoires of...and Correspondence Course(s)".

Trabajos preparatorios

2009-02-09T22:04:00.001+01:00

Tras las nevadas y tormentas del fin de semana, una leve brisa agita a la niña del cartel. Falta poco, falta muy poco.

'CYBERMAN' Y LA CRITICA

2009-02-06T00:01:00.009+01:00

Peter Lynch ha encontrado desde sus primeras películas el apoyo crítico de las principales publicaciones especializadas de Canadá, de Cinema-Scope a POV Magazine, pasando por Take One o Montage. Un cineasta mimado por la prensa especializada, que siempre ha destacado el entronque de su obra con las esencias, obsesiones y miedos de un país (Canadá) donde aparentemente (sólo aparentemente) nunca pasa nada. Especialmente significativo es el artículo "Locating The Past: Peter Lynch's Stream of Cartographic Consciousness" (de RJ Noth) publicado en el número 20 de la revista Cinema-Scope, que intentaremos traer a este blog alguno de estos días. De momento, hemos recopilado en esta entrada algunos comentarios a propósito de "Cyberman", estrenada en el Festival de Cine de Toronto de 2001 y, según Peranson, "easily the program's most inventive work". Incluimos también una breve refererencia de Adrian Martin (Senses of Cinema) y el listado de las mejores películas del año según Nicole Armour, Associate Editor de la prestigiosa Film Comment.

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Las tretas del hombre-máquina

Por Adrian Martin (Senses of Cinema)

"Cyberman" (2001) de Peter Lynch es un cautivador e hilarante documental sobre el profesor, artista, inventor y, sobre todo, aprendiz de Cyborg, Steve mann. Este personaje se adentra en el paisaje urbano con distintos y grotescos artilugios de grabación adheridos a su cuerpo, que emiten constantemente una señal a su webcam personal. Los comentarios de Mann, que habitualmetne toman la forma de aforismos , citas o notas que apunta en un cuadernito que acerca a su cámara-ojo, son comentarios propios del universo cyberpunk: el costruye sus divertidas máquinas con los detritus tecnológicos que encuentra por ahí, transmite una realidad subjetiva que no pasa por el filtro de los medios corporativos tradicionales; aspira a crear situaciones en lugares públicos donde su imagen está siendo grabada sin su permiso; y espera que, con esa visión adaptada a las demandas del cliente, se pueda filtrar nuestra realidad (una realidad sustentada en la palabra) de todas las imágenes-ruido, de todas las imágenes-basura.

El dispositivo del documental implica un sutil cambio de rumbo. Al principio, parece contentarse con proporcionar de una manera fiel el punto de vista del personaje. El montaje rápido, el ambiente sonoro denso y la combinación de distintas texturas audiovisuales parecen encajar, en ese momento, con la retórica cyberpunk de segunda de Mann. Entonces, en un momento determinado, comenzamos a situarnos fuera de su mente. Escuchamos las críticas inmisericordes de sus colegas de universidad. Y comenzamos gradualmente a percibir la fantasmagórica e incomprensible naturaleza de muchas de las tecno-tácticas empleadas por Mann. Por encima de todo, comenzamos a apreciar los imperceptibles detalles de su vida cotidiana, la relación con su mujer, su familia, amigos y estudiantes, como síntomas, que comienzan a rumiar en nuestra cabeza, de una relación tormentosa y turbia con el mundo natural y aquello que entendemos como sentimientos humanos ordinarios. Y aquí habría que hablar de la relación con con A Brief History of Time (1992) de Errol Morris.

Lo más fácil para Peter Lynch habría sido en ese momento pisar el pedal de “lo pintoresco y lo estrafalario” y dejar abandonado a su personaje; pero ahí de nuevo hay un cambio de rumbo excelente: la secuencia en la que vemos a Steve Mann aprendiendo a nadar por primera vez en su vida (¡la sombra de Luc Moullet!) no tiene precio.

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The most inventive work
by Mark Peranson (Cinema Scope and The Globe and Mail)

Cyberman ostensibly opens the hood of the world's first cyborg - inventor, performance artist, privacy advocate and University of Toronto professor Steve Mann - and looks at what makes him run. The most opaque, intellectual and ornery of Lynch's quirky, quixotic characters, Mann has lived in an electronic world for 20 years. Using wearable computers and an Eye Tap camera, he projects a video record to any number of labyrinthine Web sites. Lynch follows Mann to Times Square, the shores of Georgian Bay and, to most comic effect, Wal-Mart and Nike stores. Lynch crafts a moving portrait of a contradictory individual and concluded that understanding Mann is as easy as understanding humanity itself. Easily the program's most inventive work."

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  ‘Top Ten’ de 2001 según la revista Film Comment de EEUU
por Nicole Armour (associate editor Film Comment MAG)

  1. Angel Beach (Scott Stark)
 2. Cyberman (Peter Lynch)
 3. Fat Girl (Catherine Breillat)
 4. Ghost World (Terry Zwigoff)
 5. Harmful Insect (Akihiko Shiota)
 6. Iron Monkey (Yuen Wo-Ping)
 7. Moulin Rouge (Baz Luhrmann)
 8. My Dinner With Weegee (Donigan Cumming)
 9. La Pianiste (The Piano Teacher) (Michael Haneke)
 10. L'Emploi Du Temps (Time Out) (Laurent Cantet)

PUNTO DE ENCUENTRO

2009-02-05T20:03:00.005+01:00

Un festival es, también, un lugar de encuentro. Entre los cineastas y el público. Entre los propios cineastas, claro. E incluso entre las propias películas. Aquí algunos de los directores de la sección oficial que han confirmado su presencia. Vaya lujo: Alina Rudniskaya ("Bitch Academy"), Andrés Duque ("Conspiración Bartleby"), Audrius Stonys ("Four Steps"), Barbara Hammer ("A Horse is not a Metaphor"), Grace Schwindt ("The Chair"), Gustavo Fontán ("La orilla que se abisma"), Gyula Nemes ("Lost World"), Ilkka Rautio ("The Treasured Waters"), Elías León Siminiani ("El Tránsito"), Tadasuke Kotani ("The Line"), Virginia García del Pino ("Mi hermana y yo"), Georges Galameh ("Maesmak") y Mauro Andrizzi ("Iraqi Short Films"). Por cierto, la película de Andrizzi se proyecta en el Centre Pompidou de París el día 19 de febrero dentro del ciclo Nouveaux Territoires (de la guerre) y la película de Barbara Hammer en la Berlinale (Forum expanded) los días 10 y 13 de febrero.

PDV en ETB

2009-02-05T00:11:00.003+01:00

Para los que no quieran leer (o no sepan, o no puedan, o no se acuerden), aquí tienen un bonito pouporri informativo sobre la quinta edición de Punto de Vista. De la mano de Euskal Telebista.

EN BUENA COMPAÑIA

2009-02-04T00:22:00.005+01:00

A la espera de la confirmación oficial, adelantamos aquí el nombre de tres directores que estarán en Pamplona los primeros días del festival: James Benning, que acudirá a presentar la mayor retrospectiva que se ha realizado sobre su obra en España; Volker Koepp, director de “Flor de Lila”, película que inaugurará el festival; y el inclasificable F. J.Ossang, cuyo “Tríptico del Paisaje” abrirá la sección La Región Central. A estos nombres hay que añadir, entre otros, los de Barbara Hammer, Mauro Andrizzi, Alina Rudniskaya y el ya fijo en Punto de Vista, Audrius Stonys. Su último trabajo, "Four Steeps" (estreno internacional en Pamplona) promete ser una de las películas del festival.
(La fotografía de James Benning mirando por la cámara pertenece al documental JAMES BENNING, CIRCLING THE IMAGE, de Reinhard Wulf).

EL PROFESOR DE MATEMATICAS QUE NUNCA TUVIMOS

2009-02-03T23:45:00.003+01:00

James Benning frente a una pantalla verde. Durante una charla en el Interdisciplinary Humanities Center de la University of California (Santa Barbara)

PROGRAMA COMPLETO DE 'LA REGION CENTRAL'

2009-02-03T09:47:00.008+01:00

Punto de Vista ha hecho pública la lista de películas que conformarán la sección La Región Central, en la que se encuentran autores como Terence Davies, David Lynch y Peter Greenaway. El festival presentará, por un lado, la obra de Nathaniel Dorsky, pintor indiscutible del cine independiente americano y autor de una luminosa filosofía cinematográfica en torno al concepto de Devotional Cinema. De los recientes festivales de Berlin y Rótterdam llegan "Lunch Break", de Sharon Lockhart, y "California Company Town", de Lee Anne Schmitt, quizá la demostración más clara de que en el cine cualquier decisión formal es siempre una toma de postura política. David Lynch ha elegido este festival para presentar su nueva aventura multimedia, "Interview Project", que ahora presenta en salas en formato de película y que a lo largo del año ira colgando de su web. De John Smith, quizá el nombre más representativo del avant-garde en Gran Bretaña, se estrenará la versión completa y ya finiquitada de "Hotel Diaries", película episódica en torno al conflicto en el Medio Oriente que ha venido rodando a lo largo de la última década. Habrá oportunidad para acercarse a lo último de dos cineastas españoles importantes, Pere Vilà e Isaki Lacuesta, quienes reflexionan en "Soldados anónimos" sobre la memoria (o la amnesia) del territorio. Por último, este año la Región Central tiene una cita esencial en el "Tríptico" de F.J. Ossang, cineasta que obtuvo con "Silencio", una de las piezas que integran este programa, el prestigioso premio Jean Vigo de Francia.
La lista completa es la suguiente:

Flor de lila/ Holunderblüte, de Volker Koepp.
Silencio, de F.J. Ossang.
Vladivostok, de F.J. Ossang.
Ciel Éteint/ ¡El cielo se ha apagado!, de F.J. Ossang.
Hotel Diaries / Diarios de hotel (partes 1-8), de John Smith.
Winter/ Invierno, de Nathaniel Dorsky.
Sarabande, de Nathaniel Dorsky.
Triste, de Nathaniel Dorsky.
Interview Project, de David Lynch.
Lynch (One), de BlackANDWhite.
Lunch Break, de Sharon Lockhart.
Of Time and the City, de Terence Davies.
California Company Town, de Lee Anne Schmitt.
Rembrandt's J'accuse, de Peter Greenaway.
Soldados anónimos, de Pere Vilà e Isaki Lacuesta.

Al listado de estrenos recientes habría que añadir "Casting a Glance" y "RR", de James Benning, y "The Origin of the Species", "Sordal" y "A World Rattled of Habit" de Ben Rivers (las tres de 2008).

"TRIPTICO DEL PAISAJE", DE F.J. OSSANG, ABRIRA LA SECCION 'LA REGION CENTRAL"

2009-01-31T01:45:00.009+01:00

El llamado “Tríptico del Paisaje”, de FJ Ossang, compuesto por las obras “Silencio”, “Ciel Éteint!” y “Vladivostok”, abrirá la sección La Región Central del Festival Punto de Vista, el próximo viernes 13 de febrero. Músico, poeta, cineasta… FJ Ossang ha publicado unos quince libros y media docena de discos con su grupo MKB Provisoire (Messagero Killer Boy). Ha dirigido tres largometrajes: "L'affaire des divisions Morituri" (1985), "Le Tresor de iles Chiennes" (1990) y "Docteur Chance" (1997). En marzo comenzará a rodar su cuarto largo en Portugal: “La sucesion Starkov”.

Nicole Brenez, la principal defensora de su trabajo desde Cahiers du Cinéma, presentará el día 9 de febrero en la Cinématèque Française el programa con los tres cortos: “Silencio”, “Ciel Éteint!” y “Vladivosktok” que ella misma ha titulado para esta ocasión como “Trilogie du Paysage”. Y luego, directamente de las salas de la Cinémateque, las pelis llegarán a Pamplona. Para el estreno en nuestro país, el propio Ossang ha sugerido un título menos “megalomaniaco” (en sus propias palabras). Se llamará “Tríptico del paisaje” y abrirá la edición más “paisajística” de todas las que ha celebrado hasta la fecha Punto de Vista. Ossang ha completado esta obra a lo largo de dos años. En la edición de Cannes de 2007 estrenó “Silencio” (por el que luego obtendría el prestigioso Prix Jean Vigo en Francia), y en la de 2008, “Ciel Éteint!”. “Vladivostok” es la última tabla del tríptico y se rodó el pasado verano.

Ossang es uno de los nombre esenciales del nuevo cine francés, cineasta misterioso que ha recuperado en sus trabajos la idea del documental emocional e inquietante de Epstein. El director de "La caída de la casa Usher" es, sin duda, uno de sus primeras referencias, pero hay otras, algunas reconocidas por él mismo: Ezra Pound, William Bourroughs, Josef von Stenberg, Orson Welles, Glauber Rocha, JL Godard, Georg Trakl, Jacques Vaché, Guy Debord o Murnau. Precisamente por su condición de músico, Ossang presta siempre un especia cuidado en el diseño de las bandas sonoras, en las que han participado, entre otros, Cabaret Voltaire Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Esplendor Geométrico, Tuxedomoon. En "Docteur Chance" actúa Joe Strummer. Ossang fue objeto de una retrospectiva completa en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI) en la edición de 2003.

BEN RIVERS, MAS RECOMENDACIONES

2009-01-31T00:17:00.012+01:00

Seguimos con recomendaciones. El crítico Michael Sicinski, de 'CinemaScope" y 'Green Cinema', ha elegido a Ben Rivers como el gran descubrimiento del año 2008. Ha escrito: “Si tuviera que elegir a un solo artista cinematográfico de 2008 ése sería Ben Rivers, un cineasta que debe ser tomado en cuenta urgentemente desde todos los ámbitos del cine, desde luego más allá del cine experimental. Su cine reinventa la tradición etnográfica documental, al mismo tiempo que se engarza en la mejor herencia poética del cine-arte británico; la sintaxis de su cine es inmediatamente legible, nada crítptica, pero siempre sorprendente, como si la película estuviera adentro del universo fílmico, como una fruta en un gran árbol que espera a que alguien la recoja. Rivers va a hacer grandes películas en el futuro, así que disfrutemos del privilegio de vivir su emergencia como artista de gran talla”.

Su Top Ten (en la que incluye sólo estrenos) se completa con los siguientes títulos:

1. When It Was Blue (Jennifer Reeves, U.S. / Iceland).

2. Origin of the Species (Ben Rivers, U.K.).

3. Jerichow (Christian Petzold, Germany).

4. Hunger (Steve McQueen, U.K. / Ireland).

5. Speechless (Scott Stark, U.S.).

6. WALL·E (Andrew Stanton, U.S.).

7. Liverpool (Lisandro Alonso, Argentina / France / The Netherlands / Germany / Spain).

8. 7915 KM (Nikolaus Geyrhalter, Austria).

9. 1859 (Fred Worden, U.S.).

10. Burn After Reading (Joel Coen and Ethan Coen, U.S. / U.K. / France).

bubbling under

11. Suspension (Vanessa O'Neill, U.S.).

12. Birdsong (Albert Serra, Spain).

"FLOR DE LILA", DE VOLKER KOEPP, INAUGURARA EL FESTIVAL

2009-01-29T23:35:00.009+01:00

“Flor de lila/ Holunderblütte”, del maestro alemán Volker Koepp, será la película que inaugure el próximo 13 de febrero la quinta edición de Punto de Vista. Estreno nacional de una de las obras del año, ganadora en el Cinéma du Réel de París y en el Festival dei Popoli de Florencia, entre otros festivales importantes. Koepp regresa a su territorio cinematográfico más querido, la zona de Kaliningrad Oblast (frontera de nadie, frontera de fronteras, corredor para un viento que no deja de soplar), para filmar la infancia: una flor extraña que crece entre las ruinas. Pura emoción, sin retóricas ni forcejeos con el espectador. La emoción que nace cuando una cámara siente curiosidad (y amor) por lo que tiene delante.

A mano

2009-01-29T11:46:00.004+01:00

Es importante tener un mapa antes de salir de viaje. Es importante tenerlo para después dejarse llevar, olvidarlo en el hotel, perderse y encontrarse.
El mapa portátil de la próxima edición de Punto de Vista ya está disponible. Un programa de mano como un mapa con el que orientarse, perderse y olvidar los itinerarios propuestos para inventarse unos nuevos.

Hermano oso Grizzly

2009-01-26T23:19:00.010+01:00

El cine de Peter Lynch no es muy conocido en España (todavía), pero hemos encontrado un artículo de Mercedes Cebrián, publicado en la sección Reciclaje del suplemento Cultura/s de La Vanguardia el 7 de noviembre de 2007, que tiene como argumento la película "Project Grizzly". Aquí va completo:

San Francisco de Asís, Ángel Cristo, Diane Fossey: todos ellos mantienen o han mantenido una relación intensa con animales considerados salvajes,y ante cuya presencia en libertad otros humanos huirían despavoridos. Troy Hurtubise, nacido en Ontario hace 44 años también la mantiene, en concreto con los osos Grizzly, tan frecuentes en los bosques canadienses como lo son los tábanos a orillas de los pantanos ibéricos.
Pero no nos engañemos hacia los simpáticos ositos: el hablar de ellos a menudo en diminutivo y el haber creado todo un universo de ficción a su alrededor compuesto por el Oso Yogui, Winnie the Pooh y los Teddy Bears, entre otros muchos, no los exime de ser, en realidad, animales muy alejados del adjetivo entrañable.Troy era consciente de ello, básicamente porque a los 20 años fue atacado por un oso Grizzly cuando caminaba por los bosques canadienses. Este encuentro tuvo un efecto similar al de la picadura de araña en el futuro Spiderman: Hurtubise decidió aprenderlo todo sobre aquellos animales, y, como herramienta, ¿qué mejor que construirse un sofisticado traje a prueba de osos para que, en sus acercamientos científicos a los Grizzly, su camisa a cuadros de leñador no sufriera ni un mal desgarro?
Pero la conexión entre desear estudiar a los osos y pasar a construirse una inexplicable neoarmadura ha de provenir de un momento epifánico. Dicho momento tuvo lugar ante la televisión: en 1987, mientras Troy veía RoboCop y por eso no es de extrañar que el pret-à-porter plantígrado diseñado por Hurtubise tenga esa estética transformer tan característica. Durante 15 años estuvo urdiendo planes y perfeccionando ideas hasta obtener, ya en los 90, su primer modelo: el Ursus Mark VI, un traje con nombre de transbordador espacial que pesaba 65 kilos y parecía cumplir todos los requisitos para el avistamiento cercano de osos. No fue así: su interlocutor osuno logró desgarrar la cota de malla del Mark VI, con el consiguiente riesgo para Hurtubise, que vio necesaria la construcción del Ursus Mark VII, una versión 5.1 del anterior, fabricado principalmente en acero inoxidable, con un peso de 84 kilos y, esta vez sí, cota de malla a prueba de tiburones.
Si Troy intuía que su alocado proyecto lo iba a convertir en un representante oficial de la cultura pop, eso no nos consta. Para empezar, el National Film Board de Canadá supo de su invento y se interesó por él inmediatamente. Esto dio lugar al documental "Project Grizzly" (1996), dirigido por Peter Lynch, que logra captar la mezcla entre sinceridad y estetío-está-como-un-cencerro del su personaje estrella. En la película se documentan visualmente las hercúleas pruebas que Troy realizó con su traje blindado antes de mostrárselo a la comunidad Grizzly: despeñarse repetidamente por laderas escarpadas, recibir choques frontales de un coche más veces de las aconsejadas por la Organización Mundial de la Salud y otras felonías que daban fe de la resistencia tanto del Ursus Mark VII como del propio Troy. Y no podemos dejar de citar aquí un dato doloroso que surge por asociación libre: si Hurtubise está vivo gracias a sus dos Ursus Mark, no pueden decir lo mismo Timothy Treadwell y Amie Huguenard, amantes también de los osos Grizzly y fallecidos a zarpas de uno de ellos en el Parque Nacional de Katmai (Alaska). Otro documental de título parecido habla de ellos: el celebrado Grizzly Man (2005) de Werner Herzog.
Project Grizzly fue elogiado por Tarantino. Homer Simpson se construyó un traje a prueba de osos emulando a Troy en uno de los capítulos de la serie y entre marzo y abril de 2007 se realizó una exposición colectiva en la galería Flux Factory de Nueva York donde se rendía tributo al proyecto vital de Troy. Además, el canadiense fue galardonado en 1998 con un Premio Ignobel, la versión paródica de los Nobel suecos, por su traje blindado. Un premio como este, otorgado normalmente a prototipos de inventor chiflado, es el idóneo para Troy, que da el perfil exacto no sólo por sus trajes anti osos, sino también por proyectos como Luz Angelical (Angel light), dispositivo que le permite ver a través de las paredes, o la Pasta de fuego (Firepaste), una especie de masa similar a la cerámica que no arde ni a cañonazos.

Rivers & Rotterdam

2009-01-26T22:24:00.012+01:00

El festival de cine de Rotterdam siempre ha tenido a Ben Rivers como uno de los suyos. En los últimos años, el británico ha estrenado allí algunas de sus películas más notables, como "House", "The Coming Race", "The Hyrcynium Wood", "Astika", "This is My Land", "Ah, Liberty" y, este año, "Origin of Species", que compite en la sección de cortometrajes de Bright Future. En la edicion del año pasado, "Ah, Liberty" obtuvo el Tiger Award al mejor corto y aquel empuje fue definitivo en la carrera exitosa de la película por Vila do Conde, Londres, Barcelona (L'Alternativa) y Nueva York, entre otras plazas importantes. El jurado internacional argumentaba así el premio: "Hablar de una actitud en blanco y negro sugiere siempre una carencia de matices; pero en este retrato etnográfico del entorno rural, el artista Ben Rivers consigue centenares de tonos entre uno y otro extremo. Al mirar las imágenes del film nos asaltan las preguntas: ¿Cuánto tiempo es necesario para que el agua que se desborda de la bañera se convierta en un lago ante nuestros ojos? ¿Cuánto, hasta que los niños subidos en un camión y mientras viajan por la carretera del bosque se transformen en ángeles de luz que flotan en el aire? Hay como una tierna y templada crudeza trabajando en el interior de esta película, nada está pulido, nada es suave o bien acabado; al contrario, la aventura del mirar se ve atropellada por caídas y golpes, heridas en su búsqueda permanente. Pero es desde esta herida inevitable desde donde el artista se une a la vida de esta familia que crece en la naturaleza junto a los caballos y las gallinas. Por esa peculiar manera de la compasión, por su rechazo del sentimentalismo, por su sagaz montaje y dramaturgia del día a día, el Tigre Award es para “Ah, Liberty!”.
"Ah, Liberty" esboza la vida de una familia en las Tierras Altas de Escocia, a través de las estaciones, entre cachivaches y animales domésicos, en el más arrebatador de los paisajes. Un film sin ataduras, aparentemente primitivo, sin retóricas supérfluas, capaz de levantar como una corriente de aire nuevo en la sala. Y filmado en un scope sublime.

Noticias desde Rotterdam IFF

2009-01-24T16:03:00.006+01:00

El pasado miércoles, 21 de enero, arrancó el prestigioso festival de Rotterdam, quizá el más arriesgado y vanguardista (y no sólo por las películas sino por la propia estructura de programación) de todo el calendario anual. Punto de Vista descubrió allí a Ben Rivers, ganador de un Tiger Award en 2008 y uno de los protagonistas absolutos de la pasada edición. De estas primeras jornadas de festival recogemos la recomendación de Amat Escalante ("Los Bastardos") a propósito de un film que estará en la sección competitiva de PDV: "Aun a riesgo de parecer patriótico, de la programación de Rotterdam quiero recomendar "Los Herederos" de Eugenio Polgovsky, maravilloso y potente documental mexicano que no sólo muestra la lucha de sus protagonistas (niños en zonas deprimidas de México), sino que nos permite experimentarlo casi en carne propia. Estoy realmente impresionado por este auténtico trabajo cinematográfico".

La película de Polgovsky figura también en el "top ten" de Rotterdam del prestigioso crítico Neil Young. De los cinco documentales (*) que cita en la lista, al menos tres estarán en distintas secciones de PDV.

1. Jerichow (2008, Alemania), de Christian Petzold 
2. The World's Greatest Sinner (1958, EEUU), de Timothy Carey 
3. Of Time and the City (2008, GB), de Terence Davies (*) 
4. Blue Film Woman (1969, Japón), de Mukai Kan 
5. O'er the Land (2008, EEUU), de Deborah Stratman (*)
6. Los herederos (2008, México), de Eugenio Polgovsky (*) 
7. Floating In Memory (2009, China), de Peng Tao
8. Tattoo (2009, China), de Wang Liren 
9. California Company Town (2008, EEUU), de Lee Anne Schmitt (*) 
10. Survival Song (2008, China), de Yu Guangyi (*) 

The Spirit of Place, por Peter Lynch

2009-01-23T16:42:00.009+01:00

Un texto de Peter Lynch (en inglés...) sobre sus obsesiones arqueológico-cinematográficas. Publicado originalmente en "Montage", la revista del Director’s Guild of Canada. La foto es de "A Whale of a Tale".

To really understand the essence of Toronto, one has to know that this city is built on a series of gnarled wooded ravines, sprawling rivers, creeks and underground streams. The Tiber River inspired Pasolini and the Hudson River inspired Scorsese. Most great cities were built on rivers: Cairo on the Nile, Paris on the Seine and London on the Thames. The river that I, as a filmmaker, have found as a constant source of inspiration is the muddy brown Don that snakes through Toronto, carved out millions of years ago in the Pleistocene epoch by giant glaciers.   The Indian name for the Don River is Nechena Qua Kekonk. It was first recorded on the white man's maps in 1688 by Father Pierre Raffeix, a Jesuit priest. At the time, the mouth of the Don was heavily populated by the Mississauga Indians. Back then, the Don was a dense hardwood forest and the river was teeming with trout and salmon. In the '60s, when I was growing up in an apartment complex on the edge of the Don called Thorncliffe Park, there were mostly suckers and the odd carp. It was so polluted that when Queen Elizabeth II was here on a visit, the city had the river specially perfumed to hide its putrid smell. Looking back on it now, it's hard to believe that I used to swim in it as a boy.   When I was four years old I found an arrowhead in the area – well, actually I found out later it was an archaic point, specifically a Brewerton eared notched point, Onoadaja Chert, 2980-1723 years BC. It was probably left by hunters travelling up the Don. The discovery of this artifact was a defining moment in my life. It set my consciousness in motion. It not only connected me to a larger historical continuum but more importantly to my own sense of history as an artist. It became a beacon, helping me to create my own mythology. I could imagine mastodons crashing through my valley wilderness.

The creative spiritual location I place myself in comes from the memories of my childhood, carried by the Don River. It's where I made my first film, "Arrowhead". The spirit of the Don Valley remains the emotional source of my impulses as an artist.

I was told by an archaeologist that an artifact only has true archaeological significance if you know where you found it. I have introduced the artifact, now it's time to talk about the archetype. It's not on a map.
  This is the land of Lilliput and Huckleberry Finn. There are no maps. The days were spent drifting down the Don on rafts we built out of fallen logs. It is the world we see in Kubrick's brilliant transition in "2001: A Space Odyssey" when the ape hits the ground in front of the monolith, then throws the bone into the air and it cuts to a space ship.   In my film "Arrowhead", I tried to cover the pop culture of the sixties and prehistory in thirty minutes. I remember running through the wild kingdom of the Don, listening to my transistor radio with Credence Clearwater Revival's “Run Through the Jungle” playing full blast. I acted out all the civilizing and primitive rituals that mirror history there. My friends and I would bury treasure, build dams, dig tunnels, and steal wood and building materials from the high-rise projects shooting up all around us. We used to make our own sculptures out of rocks or horse bones dug up from the old farms that used to dot the valley, creating our own spiral jetties. We were Jacques Cousteau and Darwin on the Beagle, catching frogs, turtles, and salamanders for our own collections and personal study. We were the Beatles, screaming our lungs out, listening to the echoes off the forest trees. The valley was a place where you could test boundaries, escape from the rigid confines of high-rise living. It was man vs. nature. This sense of creative delinquency informs all my films whether chasing grizzlies in the Rockies or reindeer in the Arctic. This sense of delirium and play is something I look for in all my projects. I'm interested in going farther, beyond official cultural boundaries, mapping change through vision and imagination. In "Cyberman" I felt at home with my cyborg's alternative universe which he shows to us by shooting back at surveillance cameras, trying to tame the monster with a piece of itself. My stories explore the line between fact and fiction – the real and imagined – and question how landscape is catalogued.   In "Project Grizzly", we go to the Rockies with Troy to meet a real grizzly bear but we discover that the more interesting beast is the grizzly of his imagination. I believe my impulse to make Troy's world visible – to use the spirit of land to parallel the state of his mind – goes back to my days of climbing trees to get away from the 'Sheriff of Nottingham'.   I am presently working on a dramatic film called "The Floating World" and a great deal of it takes place in the Don Valley. It's a story where an urbane architect ends up living in the valley, building a structure much the way Robinson Crusoe did. Artists like Gauguin practiced the art of the antisocial. He attempted to return to a savage state in order to escape the straitjacket of a conformist society. Ray Bud acted out the same way in "Arrowhead"; so did Troy in "Project Grizzly", Andrew Bahr in "The Herd" and cyborg Steve Mann in "Cyberman".   Today the swamp where I used to chase frogs is just a ditch but I remember the days when it was the ocean and the Don River was the Nile. The last time the skies of the Valley were reported full of carrier pigeon was 1876. It was around the same time that the salmon disappeared from the river. The Don Valley tells a story of existence and extinction as I try to connect place and memory. In 1961, a four-year-old found an arrowhead and imagined a time when mastodons walked the earth. In 2001, there are a few salmon attempting to spawn in the river, trying to find a new story.

Mas extraño que la ficcion

2009-01-21T23:56:00.006+01:00

Peter Lynch adora las grandes expediciones geográficas y científicas del siglo XIX y, especialmente, los museos naturalistas que se conformaron con los objetos que los expedicionarios traían de “lo desconocido”. Aquella forma de relato de lo fantástico, de "lo otro", está en el interior de cada una de las películas de este cineasta inclasificable. STRANGER THAN FICTION han titulado en Punto de Vista su retrospectiva. Mientras otros se empeñan en que el cine (el documental) produzca a toda costa un efecto-verdad, Lynch nos recuerda, con cada film, que lo verdaderamente fascinante es aquello que no queremos creer, aquello que los ojos niegan, lo inverosímil. A lo largo de los últimos años Peter Lynch ha conformado una filmografía de extremada coherencia en torno a la dimensión mitológica, oscura y salvaje de Canadá. Un país en donde, quizá más que en ningún otro lugar, la civilización y lo salvaje habitan puerta con puerta.

DE MARTES 13 A VIERNES 13

2009-01-13T21:30:00.005+01:00

Hoy es martes 13. Dentro de un mes será viernes 13. Ese día comienza la edición de 2009 de PUNTO DE VISTA. Caprichosa cuenta atrás para el cine sin miedo: Mauro Andrizzi. Harmut Bitomsky. Andrés Duque. Olivier Dury. Gustavo Fontán. Virginia García del Pino. Barbara Hammer. Tadasuke Kotani. Esteban Larrain. Pawel Lozinski. Sergei Loznitsa. Avi Mograbi. Gyula Nemes. Yulene Olaizola. Alexandre Philippe. Eugenio Polgovsky. Lourdes Portillo. Ilkka Rautio. Jay Rosenblatt. Alina Rudnitskaya. Georges Salameh. Grace Schwindt. Elías León Siminiani. Audrius Stonys. Jose Luis Torres Leiva. Mikhail Zheleznikov.

(La imagen pertenece a 'House', de Ben Rivers)

Cuenta atrás

2008-09-18T16:34:00.002+01:00

El tiempo se acaba.

El día 30 de septiembre se acaba el plazo para inscribir películas en la quinta edición de Punto de Vista. Todavía quedan días.

LdC

2008-07-19T20:16:00.003+01:00

Seguimos con las buenas noticias editoriales. Tras el rediseño (una nueva cara que siempre es un nuevo impulso) de Blogs & Docs, reaparece en versión digital y vía blog una de las revistas más míticas de la crítica cinematográfica en castellano: Letras de cine. Mientras esperan el momento de reactivar su edición en papel, los editores han decidido abrir un blog donde ir dando salida a los textos, ideas y reflexiones acumulados en el largo silencio. Sea.

Renovarse

2008-07-16T19:59:00.002+01:00

Más de dos años dando guerra. La primera (y única) revista on-line y en castellano dedicada al cine de no-ficción cambia de cara y renace con el mismo espíritu que le vio nacer. Blogs And Docs mejora, para seguir siendo una de las mejores publicaciones de cine on-line de nuestro país. Enhorabuena a Elena y a Miquel por seguir a contracorriente.

Must read after my death, ganadora del FIDMarseille

2008-07-07T21:52:00.005+01:00

Must read after my death (Morgan Dews, 2007), que resultó premiada en la última edición de Punto de Vista con una de las menciones especiales del jurado, ha ganado el Gran Premio de la Competición Internacional en el FIDMarseille, uno de los festivales más prestigiosos del mundo. ¡Enhorabuena Morgan!

(Aquí, la reseña que le dedicaron nuestros críticos, en estas mismas páginas, con esa inquietante pregunta final)

Call for entries 2009

2008-06-23T22:15:00.003+01:00

Dele al play. Y envíe sus películas.

La foto sigue siendo de Ellen Kooi. Y la música, de Pimko-Z.

Arranca PDV 2009

2008-06-22T12:30:00.002+01:00

Ya tenemos imagen. Y ya está abierto el plazo de inscripción de películas, aquí. Hasta la gente que vive debajo del agua piensa inscribir su película. Como siempre, la inscripción está abierta a cualquier película que trabaje en los límites de la no ficción.

La foto es obra de la fantástica fotógrafa holandesa Ellen Kooi.

La mano que sigue (la mano)

2008-02-27T12:39:00.002+01:00

Si alguien pensaba que los manomanistas iban a detenerse con la proyección de sus trabajos finales estaba muy equivocado. Tras la pausa festivalera (el trabajo de montaje, las sesiones de películas y las noches en los bares les mantuvieron alejados de la red), vuelven con fuerzas y pasión al blog que les vio nacer. Bienvenidos sean. Y que viva el pixel.

Encuentros

2008-02-26T00:56:00.007+01:00

Disipado el festival, lo único que quedarán son las películas, sus reflejos en las retinas, las crónicas de los amigos, las despedidas en prensa y las publicaciones del festival. Un intento como cualquier otro de luchar contra el tiempo.

Este año le ha tocado el turno a Ermanno Olmi, en un libro coordinado por Carlos Mugiro que recoge, entre otras muchas cosas, el encuentro entre Mercedes Álvarez y el cineasta italiano. Finalizadas las proyecciones, el libro es la mejor, sino la única, puerta de entrada a un cineasta a reinvindicar.

Quien esté interesado, lo puede solicitar aquí:
Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra.
· Teléfono: +34 848 427 121.
· Correo electrónico: fondo.publicaciones@navarra.es
· Web: www.cfnavarra.es/publicaciones

Gracias a todos

2008-02-23T14:17:00.004+01:00

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Las gracias incluyen, evidentemente, a todo el público que nos apoya. De nuevo, gracias.

Bingai. Ganó

2008-02-22T14:48:00.004+01:00

El jurado ha deliberado. Y ha decidido esto:

Gran Premio Punto de Vista, dotado con 10.000 euros
BINGAI. Feng Yan. China, 2007. 114'

Premio Jean Vigo al Mejor Director, dotado con 5.000 euros
TSUI NO SUMIKA / Su preciada vieja casa. Tatsuya Yamamoto. Japón, 2006. 80'

Premio al Mejor Cortometraje, dotado con 3.5000 euros
52 PROCENT / 52 percent / 52 por ciento. Rafal Skalski. Polonia, 2007. 20'

Premio Especial del Público, dotado con 2.500 euros
TOVARISCH, I AM NOT DEAD / Tovarisch, no estoy muerto. Stuart Urban. Reino Unido, 2007. 85'

Primera Mención especial, dotada con 1.000 euros
MUST READ AFTER MY DEATH / Leer tras mi muerte. Morgan Dews. España / EEUU, 2007. 72'

Segunda Mención especial, dotada con 1.000 euros
MARDKAYIN PATMUTYUN PATERAZMI YEV KHAGHAGHUTYAN ORERITS / A story of people in war and peace / Una historia de gente en guerra y paz. Vardan Hovhannisyan. Armenia, 2007. 70'

Para aquellos que no las hayan visto, que las quieran volver a ver o que no sepan cómo ocupar un sábado de finales de febrero, proyecciones gratuitas en Civican. Todos al cine.

Maestro OLMI

2008-02-21T22:50:00.007+01:00

¿Nos despedimos de Olmi? Es lo que tiene ocupar una retrospectiva, damos por hecho que gran parte del camino está recorrido. El festival pone a nuestros pies las grandes obras del muy considerado director. Esta semana he tenido Olmi para rato. Desde la primera hasta la última de sus películas, pasando por la más grande. Hablo de Il tempo si è fermato, El árbol de los zuecos y Centochiodi: primera, grande, última.

Il tempo si è fermato. Sólo con esto ya es posible venerar al primerizo. ¡Qué bueno! Son 90 minutos de ternura desbordante. Creo que no es posible estar más inspirado, cada plano es más ingenioso que el siguiente, y cada situación también. Sorprende que los actores sean en realidad los guardianes de la presa, y sorprende que Olmi estuviera ahí con ellos, pero aún más que el tiempo se aprovechara de esa forma. El tiempo, protagonista, juega en favor de aquel que le dedica una pieza así, y le corresponde con creces; el tiempo también se detiene para nosotros, pero con una sonrisa perpetua.

El árbol de los zuecos. Son tres horas de película, pero las merece. Esta obra ya ha sido suficientemente reconocida, Adriano Aprá la ha mencionado entre las grandes obras de la historia del cine. Puede ser, porque el cine consigue en estas horas su máximo potencial narrativo, y eso me conmueve. Risas desperdigadas, y, otra vez, sonrisas por doquier.

Centochiodi. De las tres, la menos intensa. El reto, trasladar la vida de Cristo al 2003. Hacerlo sin levantar revuelo y plausible es un mérito inalienable. Pero, no sé si está a la altura de las otras dos. Otra vez, como no, Ermanno Olmi deja hablar al resto más que a él mismo. La naturaleza se hace con los márgenes y, mientras, él parece ocultarse como quien vive y deja vivir. Vale, es cierto que no lo es, pero lo parece, y su fingida ausencia nos permite concentrarnos más en lo que pensamos que vemos por accidente o azar, y con ello, más sensibilidad, más complicidad, empatía y como no, simpatía.

Se acabó por esta vez. Un placer.

Beatriz Herzog.

el otro lado

2008-02-21T11:59:00.003+01:00

Tras las fachadas

2008-02-21T10:57:00.005+01:00

Under Construction, Alguna tristeza e Ilya + Marusya.

Al grano, que diría el filósofo:

Under Construction es un juguete interesante. La cámara vuela cual pájaro urbano entre edificios en 2D, sorteando formas similares a aquellos libros infantiles que, al abrirlos, descubrían castillos, fortalezas y calles de papel. De repente, el objetivo elige una ventana al azar y, tras colarse furtivamente, filma la desolación de los vecinos ocultos tras las fachadas.

Alguna tristeza tiene la frescura del cine documental ágil, intuitivo, indomesticado. Las imágenes fluyen al son del pensamiento de su creador. La cinta evidencia que la pluma ya no es el único instrumento del poeta, que se pueden pergeñar bellos versos pulsando el REC.

La dulce voz en off me recuerda, por cierto, que aunque España enseñara a hablar a los latinoamericanos, ellos nos enseñan cómo hacer música con las palabras. Qué chévere.

Respeto la noble intención de Ilya + Marusya, pero mi retina no aguanta ese torrente de nostalgia epistolar. Lo siento, me ha aburrido. Merezco ir a un Gulag, ¿no?

Yago González

HETERODOCSIAS, De la locura a lo variopinto.

2008-02-20T22:39:00.004+01:00

He vuelto a acudir a heterodocsias. Y hoy ya sí que no sé qué opinar, supongo que esa es una de sus intenciones. Me refiero a Albert Alcoz, María Cañas, Gonzalo De Lucas, Andrés Duque, Lluis Escartín, Vístor Iriarte y Rafael R. Tranche, culpables de mi desorientación.

Este grupito tiene un proyecto entre manos: La mano que mira. Y mientras tanto se dedican a pasar cosillas que tienen guardadas para, a propósito o por accidente, un público al que, quizá,verlo no le suponga un mazazo.

Empecemos por el primero. Luces, cámara...culpable.

Albert Alcoz nos muestra ocho trabajos en Super 8. La combinación de imagen y tratamiento sonoro está muy lograda, y sus ideas experimentan con nuestra intuición y nuestra paciencia hasta que casi logramos entenderle. Especialmente brillante La Costa Brava y Forth and Back and Forth. Si a él no se lo parece, que me lo diga.

María Cañas...¿Qué tienes en la cabeza? Su obra, desde luego, no deja indiferente. De las risas pasas a las nauseas con bastante facilidad, y eso no es fácil. Creo que la cámara en sus manos está entre colocada y desinhibida, pero el resultado es abrumador. http://www.animalario.tv/

Gonzalo De Lucas. De las dos obras presentadas, Sobreimpresiones me ha gustado más que Carta de Franz Kafka a Felice Bauer. No sé si es porque esta última es como la calma entre la locura de los demás, y por descompensación queda relegada al olvido en mi cabeza, o si realmente Sobreimpresiones es mayor. Consigue que nos montemos en una barca, de crucero por la belleza y la tranquilidad que ella emana. Bien, bien.

Andrés Duque y su Paralelo 10. Las figuras que su protagonista trabaja son de ángulos perfectos y aristas milimetradas, pero yo veo una espiral. Porque el ritmo te introduce en un descubrimiento del que quieres saber más y más. Porque de la ajenidad a la integración hay algo menos de media hora, y porque realmente nos creemos que esta filipina es una visionaria a la altura de Da Vinci.

Lluis Escartín...yo he pensado que me recordaba a Hitchcock y su ventana indiscreta, pero mi amigo de al lado ha resoplado. "Joder, esto sí que es un documental, no hay discurso, es un documental de verdad, es la esencia." Y como yo no sé muy bien qué decir, pues me apunto al carro. Me gusta el título, Nescafé-Dakar.

Víctor Iriarte. Decir adiós es una forma bonita de darte a presentar en Punto de Vista. Pero luego hay otra cosa que no aparece en el catálogo, y no apunté el nombre. Llamémosle Las caras de las chicas que me ponían los pelos de punta (siento cambiarle el título). Pues ese me incomodó. Sería por la expresividad de las caras, o porque las chicas me lloraban ahí, justo delante, y yo no podía consolarlas, y además, yo no les había hecho nada. Y luego me pregunté qué podría haberles hecho para que respondieran así. En estas estaba cuando se acabó la proyección y otro amigo aplaudía como loco.

Rafael R. Tranche nos habla del mar de Madrid (MarMadrid). Está empeñado en mostrarnos que existe, y más o menos lo consigue. Tiene unas imágenes preciosas de Madrid portuaria, de grúas que hacen las veces de mástiles y lonas de fachadas que hacen de velas. La única pega, su banda sonora suena a río. Pero, ¿qué le podemos pedir si es del interior?

Y nada más. Mañana presentan aquello por lo que están aquí. Una propuesta de Punto de Vista, La mano que mira. De este grupo, todo se puede esperar. Yo espero que experimenten conmigo como lo han hecho hasta ahora. Al principio te sientes un poco pelele, pero le acabas cogiendo el gusto. 12:30 Civican o 22:30, Golem Yamaguchi. Visitad http://lamanoquemiralamano.blogspot.com/

Beatriz Herzog.

Bingai

2008-02-20T18:32:00.006+01:00

La aldea de Guilin (China) está destinada a desaparecer. Cuando se concluya la construcción de la presa de las Tres Gargantas, situada a 175 metros por encima de su nivel, toda la localidad quedará sumergida en el fango.

Durante seis años, el Gobierno, "ayuda" a los vecinos de la localidad a trasladarse y abandonar sus hogares. Pero hay una excepción. Subsistiendo en condiciones de extrema miseria, una madre coraje de la que dependen su marido "incapacitado" y sus tres hijos, se niega a aceptar el mismo destino.

El documental muestra y denuncia la cara menos conocida y más triste de China. La realidad de las zonas rurales, donde reina el sacrificio y arduo trabajo de sol a sol a cambio de unas mínimas condiciones de subsistencia.

Los sueños son la única forma de evasión que le queda a una mujer que acepta con resignación y asombrosa tenacidad la realidad tan dura que le ha tocado vivir.

Bingai trata un tema interesante y poco explotado, pero 114 minutos de denuncia pueden terminar por saturar al espectador.

Gorka.

Las cosas que presentan los hombres que escribieron

2008-02-20T13:49:00.005+01:00

Menos para Ana Rosa Quintana y César Vidal, escribir y editar un libro no es cosa fácil. Pero con esfuerzo, horas (doy fe) y pasión, todo es posible. Mis amigos Alberto y Efrén han publicado "Paisajes del yo", una recopilación de artículos sobre el cineasta Ross McElwee, jurado del Festival y un referente del documental autobiográfico. Del libro mola todo, de la portada al código de barras. Hasta el contenido. Los autores, además, dicen cosas interesantes.

Enhorabuena, friendos. De corazón.

Yago González

Otro (s) cine (s)

2008-02-20T08:49:00.001+01:00

Llegó, vio y marchó. Y ahora escribió. Gracias, Manu.

1937 y La Campana

2008-02-19T19:56:00.005+01:00

Daban las diez y media de la noche y en los Saide la sala 5 se abría a dos estrenos: 1937 de Nora Martirosyan y La Campana de Audrius Stonys, y ambos estaban presentes. Había mucha gente con acreditación, indicador de que ahí se cocía algo bueno.

1937. Una hija es testigo de cómo se llevan a su padre detenido en plena noche. Nora insiste en que lo importante no es la circunstancia, sino pretende que sea un reflejo de lo vivido a nivel social, popular, en la Armenia del 37. Las llamadas purgas estalinianas. El sonido, dijo ella, esto es, la entrevista, fue rodada con cinco años de anterioridad a las imágenes que, por montaje, le preceden. Cinco años de concentración dan sus frutos. Lo que la directora consigue a cambio es brillante. La pantalla se inunda de colores, chillones, preciosos, que embargan, que capturan la felicidad del instante, el cariño familiar. Después, la tormenta. Puede que quepa tacharlo de obvio, pero la tormenta es perfecta. Es sensorial. Te toca. Bravo.

La campana. El paraíso y el infierno. Dios y el Diablo. Una campana en la iglesia y su hermana sumergida en el fondo del lago. Se llaman pero no se puede reencontrar. Esta leyenda recorrió una vez los salones de Lituania, pero la gente empieza a olvidar. Audrius no quiere olvidar y se traslada hasta a este pueblo como heraldo del pasado en busca de la realidad de las leyendas populares. El frío nos traspasa en la butaca mientras dos buzos rastrean el fondo del lago donde la leyenda de la campana va muriendo. La gente recela, no quieren disturbar las aguas, pues todo lo que está arriba es cosa del Señor, pero de lo sumergido es mejor no aventurar. Audrius nos mete de lleno en el infierno, pero es sedante, solitario, estético, paradisíaco. Es un hogar del que no queremos salir.

Se volverá a pasar el jueves 21 a las 22:30 en Saide Carlos III. De verdad, es precioso.

Beatriz Herzog.

Nijuman no Borei (200.000 phantoms) / El sastre / Must read after my death

2008-02-19T16:06:00.013+01:00

6 de agosto de 1945. 8.14 a. m. “Little Boy”, la primera bomba atómica, cae sobre Hiroshima arrasando literalmente la ciudad. Miles de personas mueren al instante. A sólo 150 metros del lugar de la explosión, una estructura resiste en pie rodeada de escombros. Es el edificio A-bomb.

Jean Gabriel Périot centra su cortometraje, Ninjuman no Borei (200.000 fantasmas ) , en este edificio. A través de fotografías, reconstruye la historia y los acontecimientos sucedidos en los años posteriores alrededor del A-bomb.
Aquel fatídico día, una edificación se mantuvo en pie. Durante la reconstrucción, mientras la ciudad se alzaba de nuevo a su alrededor, fue la única que se preservó exactamente como se encontraba después del bombardeo. Un símbolo que mantenga vivo aquel suceso en la memoria de la humanidad.

El sastre

Mohamed es paquistaní y trabaja en una minúscula sastrería en Barcelona. Pese a pasar la mayor parte del día en un lugar tan angosto, su vida diaria esta llena de conflictos: la falta de comunicación con los clientes, las discusiones con su ayudante, las dificultades del negocio... y Óscar Pérez está allí, cámara al hombro, a dos palmos de Mohamed, para dejar constancia de todos los sucesos.

El carácter de Mohamed, las diferencias culturales y los conflictos con su ayudante crean un caldo de cultivo que genera un cortometraje simple en apariencia pero con un gran trasfondo. Lo cotidiano se vuelve excepcional.

"¿Quién es el de la cámara? Cuidado, podría ser de la policía secreta".

Risas aseguradas en la sala.

Risas que se apagan una vez que empieza el largometraje de Morgan Dews. Alice, madre de tres hijos, deja una serie de documentos con una nota al morir: "leer tras mi muerte". 50 horas de grabaciones de voz, 201 películas caseras y 300 páginas escritas que se resumen en 72 minutos en Must read after my death.

Un ambiente familiar en apariencia normal pero no el más adecuado para educar a tres niños, infidelidades, el ingreso de un hijo enfermo, los problemas con la bebida y una muerte no muy clara. A través de imágenes caseras de archivo y las grabaciones originales de voz, los secretos más íntimos de la propia familia de Morgan Dews quedan amargamente al desnudo. Sacar a la luz los trapos sucios de tu familia puede ser discutible, hacerlo como Dews, es hacer un documental sumamente interesante.

"Madre, ¿qué ha pasado? Éramos una familia tan feliz..."

Gorka.

Los tres documentales se proyectarán mañana, miércoles 20 de febrero, a las 19.30 en Civican.

La puta calle

2008-02-19T14:12:00.003+01:00

Bad Blue Boys y Welcome Europa.

Ya echaba yo de menos el documental social en el Festival (y perdón por la rima). Sin menoscabo hacia las piruetas bizarras, creo que el espectador se revuelve menos en el asiento cuanto mayor sea el vínculo entre lo que se muestra en la sala oscura y la realidad que aguarda a la salida. Porque, puestos a fantasear, mejor acudir a Star Wars o al producto nacional.

La cosa empieza con Bad Blue Boys, que guarda cierta similitud temática con la mejor película hasta la fecha. Un antiguo hincha del Dinamo de Zagreb, equipo de fútbol de la ciudad croata, sobrelleva como puede su vida cotidiana. Las borracheras de violencia y caos del pasado han dejado una sempiterna resaca en su alma con diagnóstico psiquiátrico. El director oculta el rostro del protagonista pero trasmite con acierto su tormento vital. ¿La clave? El silencio, el silencio, el silencio. Y, de vez en cuando, como arañazos de furia, algún rasgueo de rock and roll. No obstante, se echan en falta algunos minutos de más que acaben de redondear y matizar la historia. El final es abrupto, desconcertante. Tal vez sea esa su intención. Yo me quedo con hambre. Pero el aperitivo estaba bueno.

Nota: Sentado a mi lado, el cineasta y miembro del jurado Ross McElwee (un híbrido de Geoffrey Rush, Spielberg y Rubalcaba) toma notas en su libreta sin despegar los ojos de la pantalla. Qué tío. Pero, aaaaamigo... tampoco se libra de las pugnas contra Morfeo. Cosas del jet-lag, I suppose.

No hay mejor chute de conciencia que el mostrado a cara descubierta. Sin filtros, tapujos ni barnices happy-hippies. Si parte del cine documental es un buen escaparate de injusticias sociales, Welcome Europa es El Corte Inglés. Durante hora y media, vemos a inmigrantes (marroquíes, turcos, rumanos) que se pasean por la puta calle de ciudades europeas. Buscando dinero, vida, dignidad y hallando soluciones denigrantes: sexo por dinero en lavabos mugrientos, compañía y placer a adultos viciosos, etc. Baretos sórdidos, estaciones de autobuses, puentes convertidos en colmenas humanas, son los únicos paraísos con los que se topan estos rastreadores de la estabilidad. Europa y sus puertas cerradas. A cal y canto.

"España es una puta y al que le fascina, un marica", dice un marroquí vagando por Sevilla.

Por favor, Carlos, Gonzalo, mandad copias de esta peli al barbas y el cejas. Que aprendan.

Yago González

Bad Blue Boys y Welcome Europa se proyectarán pasado mañana, jueves 21, a las 17.00 en Civican.

TIME INDEFINITE

2008-02-19T12:39:00.004+01:00

Ross McElwee está entre nosotros, viendo y juzgando sobre lo que ve. Ahora ha llegado nuestro momento. Hablemos sobre Time Indefinite. Magistral.
Ross McElwee es una autoridad del cine documental, así lo consideran en Punto de Vista, y así lo demuestra, con agilidad, en Time Indefinite. Ross es capaz de hacerte olvidar que es él el que está continuamente con el ojo en el visor, aunque lo repite constantemente. Y te lo hace olvidar porque es capaz de hacer de su vida, de esos videos caseros que todos tenemos en nuestras baldas, una auténtica película, que te agarra y te estrangula hasta los créditos finales. No sabemos si es que él tiene la fortuna de rodearse de gente maravillosa o si es que es capaz de sacar lo mejor de todo hacia lo que apunta. Lo cierto es que de su vida, de su metraje, saca una historia compacta, con un principio que te situa, un segundo acto que te adentra en el tema de la muerte y de lo que es capaz de hacer con las personas, sus sentimientos y pensamientos, y un final donde todo vuelve a ser calma.

¿Cómo lo ha hecho? ¿Cómo puede una persona tener tan claro el argumento de su vida? ¿Cómo puede ser el cine tan real y tan increible en sólo 114 minutos? Los que asistieron a la proyección tuvieron la oportunidad de preguntárselo. Y hoy la tienen los alumnos de la Universidad de Navarra. 16:30, Aula 1.

Beatriz Herzog.

Philibert, Philibert

2008-02-19T09:37:00.002+01:00

El director de Ser y Tener impartió ayer en Punto de Vista una Master Class. Y hoy podemos leer una pequeña entrevista aquí.

Guerra

2008-02-18T20:57:00.004+01:00

Journal nº1 - An artist's impression y A story of people in war and peace.

Curiosa reflexión la de Hito Steyerl en Journal nº1 - An artist's impression. Dos dibujantes recrean las imágenes de un noticiario de 1947 perdido en la guerra de Yugoslavia de los noventa. Dos películas se proyectan simultáneamente en la pantalla, vertebradas por el discurso de uno de los artistas y la búsqueda de la cinta desaparecida. Dos miradas sobre una misma realidad: la de la pérdida, material y espiritual, que sucede a todo conflicto armado. Interesante.

A story of people of war and peace es lo mejor que he visto hasta la fecha en el Festival. El periodista Vardan Hovhannisyan se lanza a la búsqueda de un puñado de ex combatientes a quienes filmó en 1988 en el frente de la guerra entre Armenia y Azerbayán. Veinte años después, las muescas del tiempo son tan o más sangrantes que las heridas de batalla. Muchos de los soldados son ahora seres perdidos, incompletos, angustiados por la intangibilidad de un enemigo sin causa ni fusil: la vida misma. Tal y como dice uno de ellos: "En la guerra teníamos un objetivo claro y visible: vencer y volver a casa. Ahora, en tiempos de paz, los problemas abren miles de frentes contra los que no sabes cómo luchar". Si bien Hovhannisyan cae a veces en el lugar común y el trazo grueso a la hora de verbalizar en off las miserias de la contienda ("la guerra cambió nuestras vidas para siempre" y similares), las imágenes golpean con toda su autenticidad y equilibran la balanza.

Puede que esta película sí que vuelva verla algún día. Qué coño puede. Seguro.

Yago González

Journal nº1 - An artist's impression y A story of people in war and peace se proyectarán mañana, martes 19, a las 19.30 en Civican.

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